沖 縄 の ク ラ シ ッ ク 音 楽 作 曲 家 : 長 嶺 俊 一 の ホ ー ム ペ ー ジ
OKINAWAN CLSSICAL MUSIC COMPOSER : SHUN-ICHI NAGAMINE’S WEBSITE.
ようこそ・・長嶺俊一ホームページへお越しくださいましてありがとうございます、更新は頻繁にはできませんのでお許し下さい。
Welcome, thank you for coming this Shun‐ichi Nagamine’s website, Please forgive me I will not update so frequently.
★ここから以下は「すべてのページに表示される仕様」のため、各個別ページでの追加も削除もできません、ご了承ください。
最終更新日: 「政治閑話」/ 2023.07.05. 「続・政治閑話」/2023.10.07 「科学閑話」/2023.10.17 「音楽閑話」/2022.11.01.
2011年Upload済み動画。画像をクリックすると、ビュー内で音楽が視聴でき、BGMにしながらHPを見ることもできます。「大画面動画」でのご視聴は、キーボードの「f」押しで、大画面に切り替わり、再度「f」押しで戻ります。 ビュー内左下の見る▶YouTube をクリックすると別ウィンドウでサイトにジャンプします。
★★ ★ PC・Playback音源のため、Audio設備のない方には
2023年に改めてUploadしました。左の映像版と違って音楽家用「総譜プレイバック・ビデオ」版です。「大画面動画」でご覧になられたい場合は、キーボードの「f」押しで画面が切り替わり、再度「f」押しで戻ります。ビュー内左下の見る▶YouTube をクリックすると別ウィンドウでサイトにジャンプします。
「ステレオヘッドフォン」による、ご視聴を推奨します。★★★
☆ご覧くださりましてありがとうございます。HPのご利用規約を大幅に更新致しました。
☆I HAVE SIGNIFICANTLY UPDATED THE TERMS OF THIS HOMEPAGE.
演奏家の皆様へ
私は自分の作品の全権利をJASRACに預託していましたが、今後は主に「楽譜の出版管理権」の委任としました。
そして、演奏家の皆様が「自由に演奏」できるように、私の全ての音楽スコアを使用する権利を開放します。
DROPBOXに格納されている私のスコアファイルにアクセスされて、ご自由にダウンロードして、演奏にご利用
いただければ幸いです。
音源利用について
どうぞ、ご自由に音源をDLなされてご利用ください。ご利用の際は、出典を明記 いただけると嬉しいです。
To all the performers
Previously, I delegated all rights to my works to JASRAC, but from now on, I will mainly delegate ''Rights
of publication management of my music scores''. And I release the right to use all of my music scores so
that the performers able to ''play freely''. I hope you, please be able to my score files stored in Dropbox,
download it freely, and use it for your performance activities.
About sound source use
Please feel free to download and use those sound sources. I would appreciate it, if you could cite the source when
you use it.
詳細情報
①演奏、楽理分析用等に楽譜の自由ダウンロードが可能です。演奏もご自由にどうぞ、申告も不要です。
②管弦楽作品のSCOREはすべて淨書済みです。国内外を問わず演奏して下さる団体様を所望しています。
③演奏動画などを、オンライン上にご自由に公表してかまいません。権利の問題のご心配は無用です。
④楽譜出版権利を保持しています。これらの楽譜を印刷し無断で商用営利に供することを禁じます。
⑤これらの作品はオリジナルのため、改変を禁じます。技術的な問題はどうぞ、ご相談ください。
⑥編曲(二次創作)などを試みる場合及び営利的出版は権利者の私もしくはJASRACにご相談ください。
⑦基本的には、音源の商用ご利用も自由としていますが権利者にご相談いただけるとありがたいです。
ご自身のPCへのDropbox楽譜保存方法について「UTILIZING DROPBOX」カテゴリーで詳細説明しています。
Detailed information
① Please you can freely DL these scores and use it for performances and analysis. Feel free to plays no
notification is required.
② Orchestral works scores have been engraved including parts score already. I am eagerly recruiting world
premiered group.
③ I would be grateful if you could freely publish your performances videos online. Don't worry about author
rights issues.
④ I continue to reserve the right to prohibit unauthorized printing of these scores, for commercial purposes.
⑤ These works are original and must not be modified. If you have some technical problems, please feel free
to contact me.
⑥ If you are trying to music arrangement or for commercial publishing, please contact me who rights holder
or JASRAC.
⑦ Basically, you are free to use all of these sounds source, for commercial purposes, but I would appreciate
it that time if you could let me know.
The method saving Dropbox data to your PC is described in detail in the ''UTILIZING'' category.
以下のサイトに自作品をアップロードしました、ご視聴いただけると嬉しいです。
I have uploaded my works to the following sites, so I hope you can see it.
https://www.youtube.com/channel/UCQln0-PL_dF4TGjmdjffLMw ← Flute Orchestra
https://www.youtube.com/user/SchrzoForte1/videos ← Japanese Lied Album
https://www.youtube.com/user/ScherzoForte2 ← Orchestral Works
https://www.youtube.com/user/ScherzoForte3 ← Symphonic Works
https://www.youtube.com/user/roomaircon ← Yaese Towns Songs
大画面楽譜動画でご覧になられたい場合は、キーボードの「f」を押すことにより画面が切り替わります。再度の「f」押し、で戻ります。ビュー内左下の 見る▶YouTube をクリックすると別ウィンドウでジャンプします。
外部スピーカー設備のない方は「ヘッドフォン」によるご視聴を推奨します。
Tachi-Wootushi : for strings Orchestra
「Tachi-Wootushi 渡りぞう・瀧落菅撹(わたりぞう・たちうとぅしすががち)」弦楽オーケストラのための楽曲です。
この曲は以前に作曲しておりましたが、まだ実演に至っていません。
原曲は沖縄で最も有名な「古典音楽」の一つですが「対位法と和声法」の技法を用いて作曲しました。
沖縄の音楽は、ほとんどが「歌詞」を伴う楽曲が多い中、この楽曲は「歌詞」がありません。すなわち声楽を伴わない「器楽曲」として演奏される楽曲です。
原曲名は「渡りぞう・瀧落菅撹」と言いますが、一般的には「瀧落し(たちうとぅし)」として親しまれています。Scoreは下記のURLを、ワンクリックするだけで「楽譜DL.ページ」にジャンプします。
https://shun-ichi-nagamine.jimdofree.com/music-score-dl/strings-orchestra-etc/
原曲はYouTubeで検索されると、数多くの演奏スタイルの楽曲が Up load されていますので、試されてみて下さい。
〒900-0014 沖縄県那覇市松尾2-7-27 PMD 松尾5F / 5F 2-7-27 Matsuo. Okinawa Naha-JAPAN 900-0014
誠に申し訳ございませんが、現在作品委嘱は受け付けておりません。
Classical music composition and others, I am sorry indeed, but composition is not accepted.
サービス・ SERVICE
こちらのサイトからDropboxを経て、私の作品のフリーダウンロードが出来るようにしました。今後、さらに楽譜、音源を追加していきます。
From this site through my Dropbox, I arranged the service that you can free download my works. In the future, I will add music score, sound source more.
please contact me the address below :
However, please give me a little time in order to reply. Don't forget your address.
日本の中で、とても綺麗な海の一つと言われています。
IT IS SAID,TO BE ONE OF THE VERY BEAUTIFUL SEAS IN JAPAN.
石垣市の川平湾(グラスボードで海中を覗きました、まるで海中にいるような・・・・!)
Kabira Bay of Ishigaki Island ( I saw the underwater from the glass board, so I want to snorkel and jump in to this sea...! )
★音楽を「再生」中に「追加再生ボタン」を押すと、多重に同時に音楽が再生されます。1曲ずつの再生がよりベストと思います。
If you press the “Additional Playback button” while “playing” the music, it’ll be playback music on the same times. It’s best to listen to music one by one.
ヴァイオリン ソナタ ー 沖縄旋法による ー Vn.:山田 みどり Pf.:武沢 洋 1991年 左から第1楽章・第2楽章・第3楽章 Violin Sonata by Okinawa Mode Vn. : Yamada Midori Pf. : Hiroshi Takezawa 1991, First movement, second movement, Third movement from left.
たんかん:TAAN-KAN
自宅庭に植わっている「たんかんの木(柑橘類)」です、撓わに実りました。
The "Taan-kan tree (citrus)" that I planted in my garden of my house has grown a lot of fruits.
たんかんの木は未だ小さいのに、能力以上に結実して「支え」がないとミを持ち崩しそう!摘果選別しなかった私が・・良くなかったのかな・・?
でも、合計で100個以上収穫できました・・・!(^^)v とてもみずみずしくて美味しかったのは間違いありません!孫たちにも沢山あげました。
Although the tree of Taan-kan, is still small, it gets fruitful beyond its abilities, and if it does not support it will break itself.
I was cared fruit thinning not, I wonder if it was not good? But I confirmed the following, that I could harvest over 100 in total!・・・ (^ ^) V
It was definitely fresh and delicious! I also gave a lot to my grandchildren.
グワバ:GUAVA
庭に植わっている「グワバの木」です。 果実は、生食か生ジュースにして賞味します。
This is the "Guava tree" planted in my garden, fruit eat or raw and drink raw juice.
お問い合わせは下記のアドレスへ どうぞ。
しかし、返信には少々の時間をください。
あなたのアドレスお忘れなきよう、お願いします。
Please contact me the address below :
However, please give me a little time in order to reply. Don't forget your address.
収穫の「たんかん」です、美味しかった~・・・・!(^^)v (^o^) (^_-)-☆
This is "Taan-kan" which I harvested. It was delicious ~ · · ·! (^ ^) V (^ o ^) (^ _ -) - ☆
Jimdo株式会社
東京都港区神道123
email: company@mycompany.com
沖縄のクラシック音楽作曲家のHP
生ジュース:RAW JUICE
長嶺流 アセロラジュース の作り方 HOW TO MAKE ACEROLA RAW JUICE,NAGAMINE FLOW.
①洗ったアセロラをミキサーに入れます。
①Put the acerola fruit in the mixer.
②ミキサーで果実を砕きます。
②Crush the fruit with a mixer.
③「 粗漉し(あらごし)」します。
③The raw juice cleanse by the rough strainer.
④更に細かく濾してから滑らかにします。
④The raw juice will become more smoothly,
by the mesh strainer.
⑤出来上がり生ジュースです。
⑤It is completion of raw juice.
⑥それを二倍希釈で、美味しくいただきます。
⑥We are able to drink it deliciously by dilute it twice.
自宅敷地東側庭の整地を自分でしました。前に見える「螺旋階段」は
2階玄関入り口専用です。
I landscaped the east side garden myself. and the "spiral staircase" which
you are able to see front is for the entrance of the 2nd floor.
自宅庭のスパティフィラム Spatifilum at my home garden
スパティフィラムの林の中は、私が飼っている亀(♂)彼のお気に入りの憩いの場所です。The turtle (♂) that I am keeping, is his favorite place of relaxation the forest in the spatifilum.
自宅庭の月桃の花・・・・・蘭の花の一種です、高さは2mにもなります。
"Pink porcelain lily" in my home garden ... It is a type of orchid flowers, the height is like as much as 2 m.
サンニン:PINK PORCELAINLILY
庭に植わっている「月桃(花)」地元では「サンニン」と言い「ムーチー」(葉っぱで包んで蒸した餅)を作って食し独特なサンニンの香味を楽しむ。
This is "Pink porcelain lily" which I planted in my home garden. In this local we say "Sun-nin" and make "Muoo-chii" (rice cake wrapped in leaves and steamed) and if you have chance to eat and enjoy and the unique flavor of Sun-nin.
赤い色のドラゴンフルーツもあります。
There are also reds color dragon fruit.
自宅専用エリアで飼育している「カメ」・・・誕生時は百円玉コインほどの大きさが、今では・・・。
I keep breeding in a turtle exclusive area. At birth it's was as big as a coin, but in now ....!
「オオコウモリ」が朝なのに自宅前電線に飛来。コウモリは夜行性では・・・?
Even though the “Okinawa flying-fox” is in the morning, it comes to the electric wire in front of my house. Wasn't the bat nocturnal ........ ?
こちらから以下のカテゴリーは、どちらかと言えば専門分野です。
From here, the following categories are rather specialized research fields.
音部記号各種 Various music clef symbols
楽譜の音部記号は数多くの種類があります。一般的にはト音記号
とヘ音記号が知られていますが、通常使われる「音部記号」は13種
類ほどもあるのです。 ©長嶺俊一:無断転載不許可
「音部記号各種」「大譜表についての考察」のファイルをDLされたい方は「HOME」の右
隣のボタン「MUSIC SCORE DL」をクリック →「ARTICLE」→「Agree with DL」→「DL
ログイン」→「直接ダウンロード」にてDL が出来ます。なお、著作物などに転載なさ
る場合は、必ず出典を明らかにして、E mailで権利者の許可を得てください。
There are used many types of clef in the score. G clef and F
clef are generally known, but there are about 13 types of “clefs” that are normally used. © Shunichi Nagamine: Reprint is not allowed
大譜表についての考察 Consideration of great staff
現代作曲家の必須ツール 、それはパソコン!
すなわち「五線譜」は完全なデジタル記号の集積である、ということです。デジタルの塊であるコンピュータは、各種のPC言語で構築され、特に「C言語」等でのプログラミングが多いかもしれません。五線譜の要素である「音符」もデジタルなので、コンピュータとは極めて相性が良いのです。デジタルということは数式ですべてのことを「四則演算」が出来るということなので、楽譜から演奏時間や反対に演奏時間から楽譜の小節数などが算出できるのです。ところが、音符以外の「非デジタル要素」、例えば「ritardandoやaccelerando」あるいは「tempo rubato」などの「楽語」を記入する場合、単なる楽譜作成時は何の問題も起きないのですが、その楽譜をコンピュータ自体に読み込ませて「演奏させる」(プレイバック)場合は、とんでもないことになってしまうのです。そもそも「だんだん遅くとか、だんだん速くとか」人間の言語は、意味が曖昧な「ファジー」要素が多いので、がちがちデジタルのコンピュータにとっては全く理解不能、すなわち「演算不能」なのです。なぜなら「だんだん遅く」と言っても「どれだけの数値の加減、漸近でプレイバックするか?」と言うことが「数値化」されていないので、演算の根拠がなくコンピュータには人間のようなファジーの要素での演奏表現(計算、再現)が全く不可能なのです。最近の進化したAI技術を、コンピュータの「楽譜作成ソフト」に導入すればもっと改善されるのかもしれませんが、そうしたらおそらくコンパイラー型言語を導入することが必要かもしれないので、ソフトのプログラミングも膨大になってくるのでしょうね。ritardandoやaccelerandoのプレイバックについて上記のとおりですが、コンピュータにとって最も不得意なのはtempo rubatoでしょう。コンピュータプレイバックで「tempo rubato」の表示された楽譜をプレイバックさせた場合は「奇想天外」な演奏になって、腹を抱えて笑ってしまう場合が多いのです。よって、満足のいくプレイバック音源を得るためには、コンピュータを上手く「騙す」場合が頻繁にあり、コンピュータと「知恵比べ」のバトルを展開する場面があるのです。そういうわけで今回のテーマは、五線楽譜に書かれた「速度数値表記された楽譜」は演奏時間が計算できる、ということを伝えたかったのです。計算書式は下記のようになります。
①演奏時間=拍の総数÷速度数字
②小節数=速度数字×演奏時間÷1小節の拍数
③速度数字=拍の総数÷演奏時間
具体的に例示すると、たとえば「四分の三拍子20小節、♩=120」の曲の演奏時間は下記の通りです。
①の数式に当てはめると、四分の三拍子20小節→3(拍子)×20(小節)=60(拍)、♩=120の意味は「♩を一分間に120数える速さ」ですので60÷120=0.5分=30秒 演奏時間は30秒と言うわけです。
逆に♩一個の演奏時間は0.5秒ですので、0.5(秒)×60(個)=30秒という計算でも構いませんね。 ©長嶺俊一:転載不許可
Essential tools for modern composers, is PC!
In other words, “staves” is a complete accumulation of digital symbols. Computers that are digitally catalyzed are usually programmed in the "c language", which is said to be a computer language. The “musical note” element of the staff notation is digital, so it is very compatible with computers.Since digital means that you can do “four arithmetic operations” with mathematical formulas, you can calculate the performance time from the score, and conversely, you can calculate the number of measures in the score from the performance time.However, if you only fill in "non-digital elements" other than notes, such as "Music clef" such as "ritardando or accelerando" or "tempo rubato", there will be no problem when creating a score. But, if the score is loading into the computer itself and “played” (playback), outrageous things will be able to happen.In the first place, human languages, such as “slow” and “fast”, have many “fuzzy” elements whose meanings are ambiguous and so it is totally incomprehensible to digital computers, that is, “incomputable”.Because even if you say "slowly", saying "how much the numerical value is adjusted, asymptotic playback?" Is not "numerized", so there is no basis for computation and the computer is not like a human . Since there is no fuzzy element, the performance expression (calculation, reproduction) is completely impossible.The recent evolution of AI technology may be further improved by introducing it into the computer's "score writing software", but then it may be necessary to introduce a compiler-type language, so software programming It will become enormous. As mentioned above for ritardando and accelerando playback, tempo rubato is probably the worst for computers. If you play back the score with “tempo rubato” displayed by computer playback, it will be a “strange” performance and you will often with get a hearty laugh.Therefore, in order to obtain a satisfactory playback sound source, there is often a case of “spoofing” a computer well, and there is a scene of developing a “Wisdom comparison” battle with a computer.That's why I wanted to tell you that the theme of this time was that "the score with the tempo value" written on the score can calculate the performance time. The calculation format is as follows.
① Performance time = total number of beats / speed numbers
② Number of measures = (speed number x performance time) / number of beats in one measure
③ Speed number = total number of beats / performance time
As a specific example, for example, the performance time of a song with “three-four time 20 bars, ♩ = 120” is as follows.
Applying the formula in (1), three quarters of 20 bars → 3 (beats) x 20 (bars) = 60 (beats), and ♩ = 120 means "speed to count 120 per minute" 60 ÷ 120 = 0.5 minutes = 30 seconds The performance time is 30 seconds.On the other hand, the performance time of ♩piece is 0.5 seconds, so you can calculate 0.5 (seconds) x 60 (pieces) = 30 seconds. © Shunichi Nagamine: Reprint is not allowed
アップロードされたオーケストラ作品「音源」について About my Orchestral works of "sound source" uploaded
作曲家の本分は「楽曲作品を書く」ことに尽きます。この本分の遂行によって生まれる作品群を、私は次の四つに分類したいと思います。
①委嘱作品:依頼されて作曲した作品。
②応募作品:コンクールなどに応募するために作曲した作品。
③自主作品:発表会などのために作曲した作品。
④自由作品:自発的な創作意欲や信念から自由に作曲した作品。
上記の①~③の作品は完成後に、大体が演奏発表が実現することになります。
しかし、④の「自由作品」の場合、例えばそれが管弦楽のような大規模な作品については、演奏発表の実現がきわめて難しい状況下に置かれていると言わざるを得ません。
この意味において、通常、作曲家は「自由作品」として管弦楽作品を書くとことには、以下の二つの理由により、相当な慎重さと躊躇を覚えているのです。
まず、第一に、多大な時間的労力を要して完成した後、実演の見通しが立たないという厳しい現実があります。あくまでも楽譜は符号であり、楽譜そのままでは「音楽」にはなりません。演奏されなければ、一般的な意味での「音楽」にはならないわけですから、作曲家にとってはきわめて重大な問題と言えるでしょう。
第二に、例えば新たな管弦楽作品の演奏会を実施する場合、膨大な時間的、空間的、経済的、人的エネルギーを必要とするのは勿論ですが、何よりも聴衆からの理解と支持が得られるかという、最大の懸念(言い換えれば大きなリスク)が常に付きまとうことが挙げられます。
このHPで発表されているほとんどの管弦楽作品は、Score及びパート譜の淨書完成を見た今も、いっさい実演に至っていないという状況が続いています。
具体例を挙げて恐縮ですが例えば、交響詩「宇流麻島」に至っては、私自身の手書きScoreの完成からほぼ30年以上も経過し、自ら公演の可能性を模索、努力を続けたにも関わらず、その機会はいまだに訪れていないのです。
すなわち、これまでの経緯を振り返りますと、完成した管弦楽作品は全て未演奏で「画餅」に等しい存在でした。屈折した言い方をしますと、まだ「画餅」の方が理解しやすいかもしれません。
しかし、21世紀に入って、ついに作曲家にとっても「夢のような進化した良い時代」が到来しました。以下に述べる科学技術の進化によって、このCDのように「管弦楽」として聴くことのできる一応の水準に到達したのです。昨今、高度先端技術の代表格であるコンピュータのハードウェア及びソフトウェアがめざましい発展を遂げているのはご承知のとおりです。「音楽」の領域においても、「管弦楽作品」のような大規模な作品を作曲家のイメージ通りにコンピュータでOrchestra Score(管弦楽総譜)を作成することが可能になりました。
そして、この総譜に記譜されている各楽器のパート譜を高性能コンピュータで解析し、ヒューマンプレイバック・システムを経て、実演により近い「管弦楽作品」としての演奏をもたらしてくれているのです。以上のように、現代の作曲家の多くは、楽器とコンピュータを駆使して、呻吟逡巡しながら作曲、Score淨書、レイアウトからパート譜の管理、印刷、プレイバック音源作成に至るまで、自らが全てを担う場合があり、それぞれに大きな負担を感じつつも本分である「楽曲作品を書く」ことに励んでいます。それでも敢えて音源作成まで行うのは、作品を「音楽」として鑑賞できる状態にして初めて、皆様のご批評・ご判断をいただけると確信しているからに他なりません。
「私の作品はこのような音楽です!」と、簡潔明瞭に皆様に供したいという想いの結実が、この形ということになります。
このようにテクノロジーの進化は、作曲家にとっては大きなメリットである反面、ひとつひとつのステップにおける作業は決して単純でも容易なものでもなく、その分「楽曲作品を書く」時間を割かれてしまうデメリットでもあるのです。
また、ここで誤謬の無いように明確に申し上げておきますが、たとえどんなに科学技術が進化しようとも、人間の営む芸術音楽の領域において、コンピュータで作成した音楽が、演奏家の実演による音楽と録音エンジニアが制作する「音源」を凌ぐことはまだまだあり得ないと思います。
その意味において、これらのプレイバック版はあくまで作曲家の立場からの、やむにやまれぬ緊急避難的なスタンスで作成した「音源」であるということを是非ともご理解賜りたいと思います。
下記の「カラム」に音源を貼り付けておきます、よろしければご視聴ください。
©長嶺俊一:転載不許可
The ultimate work of composer is to "write the music". I would like to categorize these works that are born from this performance into the following four categories.
(1) Commissioned work: Each works that was requested and composed.
(2) Submitted works:Each works that was composed to apply for a competition.
(3) Independent works:Each works composed for a presentation.
(4) Free works:Each works composed freely from spontaneous creations and beliefs.
In most cases, when the After the composition from (1) to (3) was completed, the performance announcement will be realized. The other, in the case of “Free works” in (4), for example, for large-scale such as Orchestral works, it must be said that the performance announcement is extremely difficult. In this sense, composers usually have a great deal of discretion and hesitation in writing Orchestral works as “Free works” for the following two reasons.
First of all, there are harsh reality that the prospects for the Performances will be made after composition with a great deal of time. The music score are just codes or sign, and the score itself is not "music". If not played, it does not become “music” in a general sense, so it will be to said that it is a very serious problem for the composers.
Secondly, for example, when performing a concert for a new orchestral works, it takes a lot of time, space, money and human energy, but above all, it is will have to be understood and supported by the audience. The biggest concern (in other words, a big risk) is that it will always come.
Most of the orchestral works released on this website have not yet been demonstrated even after the completion of Partitura and part scores. For example, in the case of the Symphonic poem “Uruma Islands”, it has been more than 30 years since the completion of my own handwritten Score. It is not actually played yet. In other words, looking back on the Background so far, all the completed orchestral works were unplayed and were equivalent to “ pie in the sky ''. If i will be to say way of eccentric, As the general public doesn’t even know by looking at music score, it may still be easier to understand the pie in the sky. However, at this 21st century, it was finally time for the composers to “a good age that evolved like a dream”. Thanks to the advancement of science and technology described below, we have reached a certain level that can be heard as an orchestra like this play back music. As you know, computer hardware and software, which are representative of advanced technology, have made remarkable progress in recent years. Also in the area of “music”, it is now possible to create an orchestra score (Partitura & part scores) on a computer based on the composer's image of a large-scale work such as an “orchestral piece” And the part scores of each musical instrument recorded in this score is analyzed with a high-performance computer, and through the playback system, the performance as the real "Orchestral works" closer to the demonstration is brought about. As mentioned above, many modern composers use their instruments and computers to create their own music, from scoring, draft, layout, managing each parts scores, printing, and creating playback sound sources. Composer is a case where everything is taken care of and while we feel a heavy burden on each of them, We are striving to “write the piece of music” that is the main part. Even so, the creation of the sound source is nevertheless, because we are convinced that you will be able to appreciate your criticism and judgment only after the works you will be able to view recognized as “music” That is result of the desire, to concisely and clearly provide “My works are such music!” In this way, the evolution of technology is a great merit for the composers but the work in each step is never simple or easy. This is exactly a major drawback that takes time to writes works. Furthermore, I will say clearly stated here that there is no misunderstanding, but in the artistic music field that humans play, no matter how much science and technology evolves, I think that, the computer cannot exceed the human live performance or recording engineer realm. In that sense, I would like you to understand that these playback versions are “sound sources” created by emergency evacuation means from the standpoint of composers.
Thank you very much. I will paste the sound source in the "column" below, please listen. ©S.Nagamine: Reprint is not allowed
沖縄旋法による交響曲 Symphony by the Okinawa mode
沖縄旋法による交響曲 CD解説文より
「交響曲」を「沖縄旋法」で作曲する? ほんとに可能でしょうか!?
そもそも「交響曲」とは、厳格に言うと一体どのような作品を言うのでしょうか?また、「沖縄旋法」とは何のことでしょうか?
「交響曲」とは「管弦楽のためのソナタ形式」を伴う、大体4楽章からなる管弦楽曲作品のことを言います。(勿論、例外はいくらでもあります。)では「ソナタ形式」とはどのような楽曲形式でしょうか?「ソナタ形式」を解析すると「主題提示部、展開部、再現部、結尾部」の四つの部分から構成されています。さらに「主題提示部」は、第一主題と第二主題から成り、第一主題は主調、第二主題は主に属調で提示されます。「展開部」はそれらの第一主題、第二主題などを作曲家の論理的作曲技術を駆使して「展開、発展」させ「フーガ」の形式をも伴う場合も有ります。「再現部」では、すでに提示された主題提示部の第一主題、第二主題を再現するのであるが第二主題は必ず主調に戻されて再現され、「再現部」に続く後半の「結尾部」において曲は完結して、一つの「ソナタ形式の楽章」が終結するのです。換言すると、ソナタ形式は「起承転結」の論法を取り入れて、論理的手法により堅固な楽曲を「構築」する純音楽の一つの様式と言えましょう。例えば、ピアノのために書かれたソナタ形式の楽曲を「ピアノソナタ」、ヴァイオリンとピアノのために書かれたソナタ形式の楽曲を「ヴァイオリンとピアノのためのソナタ」通常略して「ヴァイオリンソナタ」と言います。つまり何かの「楽器」のために書かれたソナタ形式の楽曲を、楽器の名称をとって「~ソナタ」と呼称されるのです。作曲家にとってどのような「大規模な管弦楽」であっても「一つの楽器」ですので、即ち「管弦楽のためのソナタ」を「交響曲」と称している所以です。さて、次に「沖縄旋法」について簡単に記述しておきます。通常「旋法」とは「ある種の歌などの構成音を順列した結果の音列」を言いますが、ほぼ「音階」と同じと考えて良いと思います。例えば西洋長音階を例にとって説明しますと、「沖縄旋法」には「下中音」即ち、音階の始まりの音の「主音」から上行して、第6番目の音が有りません。ということはⅡ、Ⅳ、Ⅵの和音が存在しないということです。ⅡとⅣは重要なサブドミナントの和音、Ⅵの和音はドミナントの和音、それらの和音が欠如するということは西洋音楽では有り得ないことです。また、西洋音楽には長調、短調の対比をなす両調がありますが「沖縄旋法」にはそれも有りません。各々の民族には多様な「旋法」が存在し、沖縄にも今回使われているこの「旋法」だけでなく他の「旋法」があるという考えもありますが、私は「旋法」という厳密な定義において、この「旋法」が最も理論的及び感性に合致するように思います。また、今回使用されているこの「旋法」に限定すると、沖縄だけでなく広く東南アジア等に分布している事実も認識されています。上述の意味において、西洋古典音楽作曲方法論における音楽理論上の定義による「楽典、楽式、和声法、対位法、調性、管弦楽法」等に鑑み、慎重に考察するとき「沖縄旋法」は理論的な側面において重大な「脆弱性」を伴っている、と言わざるを得ません。この「沖縄旋法」で、論理的に構築すべく大規模且つ繊細な楽曲の「交響曲」を書くことは極めて困難を伴う仕事でしたが、私自身のアイデンティティーゆえ敢えて挑戦いたしました。当然のことこの「交響曲第1番 ― 沖縄旋法による ― 」は「ソナタ形式」の技法によりながら、各楽章に主要主題を循環再現させる「循環形式」の手法を用いて作曲されています。各楽章の解説は記述いたしませんが、私が成したかったことは、次の一言に尽きます。
既述した、西洋音楽理論上において脆弱な「沖縄旋法」であっても、私の未熟な作曲技法で、この様な事が可能であるということを、沖縄生まれ育ちの一作曲家として実証したかったのです。 ©長嶺俊一:転載不許可
Symphony by the Okinawa mode from CD description text.
Is it really possible to compose a symphony in Okinawa mode? Furthermore, what do we mean exactly by a “symphony,” and how can that be adapted to Okinawa mode?
A symphony generally refers to a musical work for orchestra consisting of four movements using the sonata form.
Sonata form is comprised of four parts: the subject exposition, development, recapitulation, and conclusion. The first part, the subject exposition, can be broken down further into a first theme in fundamental key and a second theme in dominant key.
Composers who utilize this structure expand on these themes in the development stage, often in the style of a fugue.
The recapitulation stage then restates the first theme, after which the second theme is reprised in the fundamental key, leading to the conclusion and the end of one movement of the sonata form.
In this way, the sonata form progresses logically using an introduction, development, denouement, and conclusion; it is one style of music that is constructed using a logical progression.
Music written in this style for piano is called a piano sonata, while music written for piano and violin is abbreviated to be called a violin sonata.
Finally, when a composer writes a sonata for a full orchestra, rather than calling it an “orchestra sonata,” it is called a symphony.
A mode is a progression of notes similar to a scale that avoids the original root of the scale and instead uses a different note as the root, resulting in a unique sound that becomes associated with a certain kind of music.
Okinawa mode uses major scales without a submediant, or the sixth note from the beginning of the scale.
The result is that the II, IV, and VI chords do not exist in Okinawa mode, and there are not major and minor keys, conditions that are unfathomable in European classical music.
Every musical culture has a variety of modes, and Okinawa is no exception.
However, if a single mode has to be chosen than I think the one I have selected is the most immediately recognizable and best represents not only Okinawa but also much of Southeast Asia.
When comparing Okinawa mode to Western classical music in terms of musical grammar and forms, harmonic theory, counterpoint, tonality, orchestration, and other aspects of music theory, it is a fact that Okinawa mode is relatively limited and is at a distinct disadvantage.
I have to admit it was extremely difficult to logically compose a large-scale symphony with delicate nuances in this mode, but because of my identity as an Okinawan I have dared to take on the challenge.
As a matter of course I have composed “Symphony No. 1 by the Okinawa mode” in circular form, expressed the main subject through each movement in typical Symphony form.
I will not offer commentary on what I attempted to accomplish in each specific movement, but will rather state simply what I wanted to accomplish with the symphony as a whole.
My goal was to show, as a composer born and raised in Okinawa, that in spite of the inherent weaknesses in terms of musical theory, it is still possible to write a full-scale symphony in Okinawa mode.
©S.Nagamine: Reprint is not allowed
今回は西洋音楽の三要素について簡単に記述します。
西洋音楽は1、リズム(律動)2、メロディー(旋律)3、ハーモニー(和声)の三つの大きな要素から構築されていると言われています。
リズム要素は 拍子、拍節(ビート)、シラブル(モーラ)、それら拍の強弱長短の組み合わせ。
メロディー要素は 音階、音程、音色、調律法、ピッチ、それら音の強弱高低の組み合わせ。
和声要素は三和音、四和音、五和音、非和声音、トーン・クラスター 、それら各種の組み合わせ。
勿論、これらの三要素について民族系の音楽には、部分的に合致する場合もあるし、全く合致しない場合もあるこことは言うまでもないでしょう。
今回はまず初めに、リズム要素の中の拍子について記述します。
拍子を分類すると
1、単純拍子:字のごとくまさに単純な拍子で終始する、2拍子、3拍子、4拍子の楽曲。
2、複合拍子:6拍子、9拍子、12拍子・・で終始する、3の倍数の拍子の楽曲。(3連符の複合系)
3、変拍子 :5拍子、7拍子、8拍子、9拍子、10拍子、11拍子・・等で終始する拍子の楽曲。
4、可変拍子:一定の拍子で奏されるのでなく「小節ごと、あるいは小節内においてさえ変化する」楽曲。等に分類されるのではないでしょうか。上記の分類の1~3までの楽曲は星の数ほど有るので、敢えて説明しないが、4、の「可変拍子の曲」はきわめて珍しいので、この分類の典型的な音楽を三つ例示しましょう。我が国の「雅楽」にも二拍子と三拍子が交互に来る、楽曲があります。所謂、5拍子になりますが「矢鱈(八多羅)拍子」と言います。矢鱈とは「でたらめ」と言う意味ですよね、面白いですね。
拍子とリズムについての専門的解説YouTubeサイト:
https://www.youtube.com/watch?v=C0YXBpdZmyg
可変拍子ひとつ目は、ストヴィンスキーのバレエ組曲「春の祭典」1913年に初演されたこの曲は初演時、大センセーショナルを起こした作品である。その中の「生贄の踊り」の曲。とても筆舌で説明できない、拍子が違うだけではなく、拍子の分母も随所違うのだ!それでは、次のサイトをご視聴して確認してください。 ストラヴィンスキー:春の祭典 ←参考資料
二つ目は、ショスタコーヴィッチの「ピアノ協奏曲第2番の3楽章」です。この曲は1957年、当時モスクワ音楽院在学中だった息子マクシム・ショスタコーヴィッチのために書かれ、彼に献呈されています。素晴らしいですね「父親が息子のために作曲して献呈する」この3楽章はお馴染みのピアに練習曲「ハノン」の練習曲が借用され、全曲の随所にそれを思わせるパッセージが見られます。
ショスタコーヴィッチ:ピアノ協奏曲第2番 ←参考資料
最後に三つ目、昨年2020年に亡くなったロシアのジャズ(クラシック)音楽作曲家・演奏家、ニコライ・カプースチンの「演奏会用練習曲(全8曲)」の中の第4番「Remembrance(記憶)」と言う曲です。この曲は「4分の3拍子と4分の4拍子」が前後各小節おき交互に作曲されています。ジャズピアノ超絶演奏技術でもって作曲されています。YouTubeには「楽譜」が表示されながら演奏されていますので、貼り付けてあるURLを開いてご視聴なられて見てください。 ニコライ・カプースチンの作品は、現代で最もコンサートなどにエントリーされている現代作品の楽曲の一つでではないでしょうか?
https://www.youtube.com/watch?v=RrpjWM8JT7k&t=616s ←カプースチン
ストラヴィンスキー → URLをマウスでクリックするとサイトに
ジャンプします。別ウインドウで再生されます。
https://mdai.jp/diary/578.html ←別サイトの解説付きHTML
https://www.youtube.com/watch?v=JJ49CTS-R30 ←別サイト日本語解説付きHTML
This time, I will briefly describe the three elements of Western music.
Western music is said to be composed of three major elements: 1, rhythm 2, melody 3, and harmony.
I Will described about the elements.
The rhythm element is beat, rhythm, syllable (mora), and the combination of the strength of these beats.
The melody elements are scale, pitch, tone, tuning method and the combination of the dynamics of those sounds.
Harmony element are triad, tetrad, quint chord, nonharmonic tone, tone clusters, their various combinations.
Of course, these three elements may or may not match ethnic music partially or not at all. This time, first of all, let's describe the beat in the rhythm elements.
I classify the time signature.
1. Simple musical time: A music of duple time, triple or quadruple time, that starts and ends with a very simple time signature as write.
2. Compound musical time: Music with a time beats of multiples of triplets, ending at 6time beats, 9time beats, 12time beats and so on. (Complex system of triplets)
3. Odd musical time: Music with a time signature that starts and ends in 5beats, 7beats, 8beats, 9beats, 10beats, 11beats, etc.
4. Variable musical time: A music that does not play at a fixed time signature but “changes every measure or even within same measure” I think that will be classified as etc.
About the music in the above categories 1 to 3 we will have many music like as many music as there are many stars, so I will not explain them. "Variable musical time" are extremely rare, so let me give two examples of typical music of this category.
One, which premiered in 1913 in Stravinsky's Valley Suite "Spring Festival", was a major sensational work at the premiere. The music "Sacrifice Dance" in it. Not only is the time signature different from what I beyond description but the denominator of the time signature is also different everywhere! So please watch and check the following site. The second is Shostakovich's "Piano Concerto No.2" 3 Movement. The music was written and dedicated to his son, Maxim. Maxim plaid Premiered this music at the time Maxim learning in Moscow Conservatory, in 1957.That's great event whom father composing and dedicate for his son. In these three movements, the practice song of the familiar piano practice song "Hanon" is borrowed, and passages reminiscent of all the music are seen. Finally, the third, the fourth in "Concert etude collection (8 music in total)" by Nikolai Kapustin, a Russian jazz(classical) music player and composer who died last year in 2020. It's a music called "Remembrance". This music is composed of "3/4 time signature and 4/4 time signature" alternately every other bar and after. All music of this works are composed by jazz piano transcendental performance techniques.
Since the performance is being performed while the "Score" is displayed on YouTube, Please open the URL and watch it. https://www.youtube.com/watch?v=RrpjWM8JT7k&t=616s
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https://www.youtube.com/watch?time_continue=65&v=fAJblPTCCZE&feature=emb_title
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https://www.youtube.com/watch?v=9JkOaTYvd5w&ab_channel=theoshow2
音楽の三要素の続き
さて今回はメロディー要素について簡単に記述しましょう。
まずその前に、私は自分の範疇を「クラシック音楽作曲家」と定義しています。
クラシック音楽とは「歴史的音楽遺産」のことを指す場合が多いので、過去の音楽のように感じる方も多いと思われますが、この表現法は確に適切でないかも知れません。正確には「クラシック音楽のスタイルによる作曲法の作曲家」が正しいかもしれません。クラシック音楽の要素は、上述した「音楽の三要素」が含有された音楽ということと定義したのですが、実はそのような括り方も適切ではないのです。専門的に、ここでそのことについて詳細に記述すると、何冊もの本になってしまうでしょう。
例えば、現代においてクラシックスタイルの音楽と言っても「メロディー」の無い音楽や「調性」の無い音楽、あるいは「多調」音楽も多数あるのです。これらのジャンルを専門的には「前衛音楽」あるいは「現代音楽」もしくは「無調音楽」と分類していますが、私が学生の頃、一世を風靡していた前衛音楽作曲家も数多くいましたし現在も多くいます。ここでは個々の作曲家名を具体的に列挙しませんが、一人の方だけ紹介しておきましょう。
ポーランドの世界的に有名な作曲家、2020年3月29日死去された、ペンデルツキ氏です。60年前に作曲された「広島の犠牲に捧げる哀歌」と言う曲です。当時、微分音を使った作曲技法の「前衛音楽」で、私は深い衝撃を受けましたが、今でもそれは変わりませんね。
権利関係問題によりいつ削除されるか解りませんが、音楽も張り付けておきます。
ペンデルツキ:広島の犠牲に捧げる哀歌
ペンデルツキ : 広島に捧げる哀歌(YouTube) FRSO
フィンランド放送交響楽団 指揮:クシュトフ・ウルバンスキ
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Continuation of the three elements of music
Now I'll briefly describe the melody element. First of all, I define about my own music genre as "classical music composers". Classical music often refers to "Historical music heritage", so it seems that many people feel like past music, but this expression may not be appropriate. To be precise, "The composer by composition method in the style of classical music" may be correct. The element of classical music is defined as music that contains the "three elements of music" described above, but in fact, such categories is not appropriate. Professionally, here and that can be described in detail, it will become the more than hundreds of books. For example, In modern times there are a lot of music without "melody" and music without "tonality" even when it comes to classical style music.
These genres are technically categorized as "Avant-garde music" or "Contemporary music" also more to say "Atonal music". but when I was a student over 60 years ago, there were many avant-garde music composers and there are even in modern times many composers. I will not specifically list up many composers names here, but let me introduce only one composer. He is Polish famous composer Krzysztof Penderecki, who was died on March 29,2020. A music called "Lamentation for the sacrifice of Hiroshima" composed 60 years ago. At that time it was "Avant-garde music" and I was deeply shocked, but it still doesn't change now. I do not know when it will be deleted due to rights issues, but I will also attach music.
Krzysztof Penderecki : Lamentation for the sacrifice of Hiroshima
(Animated Score)
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音楽の三要素の最後の項目
和声について
今まで西洋音楽の「音楽の三要素」のリズムとメロディーについて、マニアックな作品を何点か例示しましたが、最後の「和声」については、理論書、流派(独・仏システム)、様式など下記に記述するように多種多様あり、簡単に論じることは出来ません。通常西洋音楽の和声の基本は「根音から3度ずつ上に音を積み重ねて和音を作る」のですが、例外も数多くあり「付加二の和音、付加四の和音、付加六の和音・・・」等々、三度積み重ねの原則通りでない和音も数多くあるのです。また、結局三度ずつ重ねると、5度上は7度、7度上は9度、9度上11度、11度上13度、13度上は元の「根音」に戻ります。(例えば「ド」から三度ずつ重ねると、「ドミソシレファラ →「ド」に戻る」)
これらの和音のことを現代和声(ジャズ等)では7th(セヴンス)、9th、11th、13th、と呼んでいます。
さらに近代音楽では、「増三和音」augmented triad(オーグメント・トライアド)「減三和音」diminished triad(ディミニッシュ・トライアド)「減七の和音」diminished seventh chord(ディミニッシュ・セヴンス・コード)等の和音も頻繁に用いられています。
また、西洋音楽の和声の理論的、理解・表現手法の一つに「機能和声」と言う考え方があるですが、機能和声以外の「和声」(十二音技法や前衛音楽など)また、各国の民族音楽や、機能和声でない日本古来の音楽、「雅楽そのほかの日本の伝統音楽・神楽・久米歌・等々」なども範疇に入れて論ずると、これまた膨大な量になり、とても簡単に論じられるものではありません。
機能和声について簡単に述べれば、和音の連結において既定内の法則の中で「正常な連結」と「そうでない連結(逆進行)」が有るということです。因みに、音楽大学の「作曲科」に入学するためには、「和声学」の受験科目が有り、それを習得するだけで最低3年ほどの学習期間が要求されます。演奏家を目指す方々の3~4歳ごろからの「早期教育」に比べると、はるかに「遅蒔き」では有りますが、音楽的素養を身に着ける期間は演奏家と、ほぼ同じではないでしょうか。
和声学は、「理論書」ですので複雑でとても理屈っぽく(当然です「学問」ですので!)習得するのに、それなりの忍耐と努力が要求されます。所謂、和声学は「これをやってはダメ!」という、すなわち「禁止条項」や「これはしないほうが良い!」と言う「制限条項」などが有ります。そして、「これはしたほうが良い!」と言うのが「推奨条項」も数多くあります。そういうわけで、大抵の学習者や入門者は、あまりにもがんじがらめに規則、公理に「拘束」されますので、反発や煩雑さに辟易して「挫折」してしまう方も多いように思われます。更に「和声学」を修めた後に「対位法」も習得しなければなりません。対位法は和声学より更に厳しい公理を習得しなければなりません。それはあたかも、法学部の学生が「六法全書」を習得するようなものなのです。要約しますと実際に、作品を書く段階では「破格」や「禁則違反」など何でもやって構わないことは確かですが、あまりやり過ぎるとその作品が「破綻」したり「杜撰」になったりする、ということなのではないでしょうか。ただ、私が今まで上述の理論の数々を学んで得た結果、「作曲を実践」するにあたり、心掛けていることは「禁則」を十分理解したうえで、敢えてそれを行うという行為にはそれなりの必然性が有るということを、十分検証したうえで「破綻」しないことに確信を持った時、作品を完了する、ということを述べておきます。
和声学についての専門的解説YouTubeサイト:
The last item of the three elements of music
About Harmony
Until now, I have illustrated some maniac works on the rhythms and melodies of Western music's “Three elements of music”.
For the last “Harmony”, I have written theory books of Music colleges (German-French systems), styles There are a variety of things to describe below and cannot be easily discussed.
Normally, the basis of the harmony of Western music is “Stacking notes three degrees above the root note to create a chord”, but there are many exceptions such as “additional two chords, additional four chords, additional six chords ...” There are many chords that do not follow the principle of notes three degrees stacking.
In addition, when the three degrees are repeated, the fifth degree is 7 degrees, the seventh degree is 9 degrees, the 9th degree is 11 degrees, the 11th degree is 13 degrees and the 13th degree is returned to the original “root note” (for example, if you repeat from “C” three degrees adding a note, C E G B D F A → at the end will return to “C”).
These chords are called 7th (sevens), 9th, 11th, 13th in modern harmony (jazz etc.).
Furthermore,in modern music,chords such as "augmented triad"(chords with each sound interval widening),"diminished triad"(chords with each sound interval narrowing),"diminished seventh chord"(chords with each sound interval further narrowing),etc.Is also frequently used.
And one of the theoretical, comprehension and expression methods of the harmony of Western music is the concept of “Functional harmony”. Other than functional harmony, “harmony” (such as tweleve-tone music and avant-garde music), discussing ethnic music from each country, traditional Japanese music that is not functionally harmonious, “Gagaku and other traditional Japanese music, Kagura, Kume song, etc.” into a category also makes it a huge amount and it is not very easy so, It is not discussed in.
To briefly describe functional chords, there are “normal connections” and “otherwise connections (reverse progression)” among the rules in the chord concatenation.
By the way, in order to enter the music composition department of the College of Music, there is a subject of “Harmony” that requires a study period of at least three years just to acquire it.
Compared to “Early education” for those who aim to be a Player from about around 3 or 4 years old, it is much more “Slow sowing”, but the period of learning musical skills is almost the same as the player musician.
Harmony is a “theory book” so it is complicated and very logical (naturally, “learning”), so it takes a certain amount of patience and effort to learn.
So-called harmony has “Nothing to do this!”, That is, “Prohibition clause” and “Restriction clause” saying “It is better not to do this as much as possible!”
And there are many “Recommended clauses” To say “this is better to do it !”
That's why most learners and beginners are stubbornly “tied” to rules and axioms, and many stop learning because they hate repulsion and complexity.
In addition, after studying “Harmony”, you must also learn “Counterpoint”. Counterpoint must learn a more stringent axiom than harmony. It's like a law student learning a law book.
To summarize, in fact, at the stage of writing a work, it is certain that you can do anything such as “unconventional” and “violation of prohibition”, but if you overdo it too much, the works will be “messy” and “weird” I think it will be.
However, when I try to “compose” based on the results of studying the above-mentioned theories, I sometimes keep in mind. Complete the work when you are convinced that the act of dare to do it, after understanding the “prohibition” enough, has a certain necessity, and after thoroughly verifying that it will not “collapse” I have to say that there are times.
私はこのホームページのタイトルに「沖縄のクラシック音楽作曲家」と自称しました。これを直訳しますと「沖縄の古典音楽作曲家」となり「沖縄古典音楽」とはなんと!「琉球古典音楽」と同じになってしまい、それでは沖縄の古典音楽の「歌」と「三線(さんしん)」などの琉球古典音楽家になってしまいます。ですので、いつも自分のカテゴリーをどのように表現してよいのか、今でも迷いが有ります。
解りやすく言えば、自分のことを「沖縄旋法による西洋クラシック音楽スタイルの作曲家」とでも称すれば良いのでしょうか。 そういうわけで、そもそも「作曲家」の定義においてさえ「作曲家とは何する人ぞ?」となって、答えに窮するときが有ります。一般的には、当然作曲家とは「作曲する人・曲を作る人」となるのですが「曲」そのものについても、多種多様の音楽が有りますので、具体的に筆舌ではとても説明しづらいのです。その様な理由から結果的に「自分のホームページ」を作ろう!ということに至って、実行しているわけなのです。
例えば、欧米ではComposerとSinger-songwiterもしくはSound desigenerとは明確に分類しているのですが、我が国では「曲を作る人」のすべてをひっくるめて「作曲家」と言っているようです。作曲家と言うジャンルにおいて「純音楽」「映画音楽」「商業音楽」「娯楽音楽」「ゲーム音楽」・・・・などの住み分けもされていませんし、簡単に「分類・住み分け」が出来るわけでも有りません。欧米では現在でも、ほぼ上記のジャンルにおいて、作曲家本人が「住み分け」をしている場合はあるようですが、しかし、実際にはそうでない場合もあるようです。尤も、両方あるいはいくつものジャンルの作品創作を、器用にこなしている「作曲家」も多いわけですので、何とも表現・分類が出来るわけがない、と言うことが現実なのではないでしょうか。
因みにこれをご覧になられているあなたが「音楽のジャンル」は何種類ほどあるのか、とお調べになられると・・・・それはもう大変な数になるのです。そういうわけで、「作曲家」とは「何する人?」を定義するのはとても困難なのです。人それぞれにおいて、定義が皆違う訳です。そこで私は明確に申し上げたい。 私の「作曲家」の定義は「純音楽作曲家」なのです。
「純音楽」の定義もまたいろいろありますので、それでも結局は簡単には定義できないような気がします。
この点について現在、国内外で世界的にも素晴らしい作曲活動をしていられる「某作曲家氏」はご自分のホームページの「対談形式」で「作曲家という仕事」と言う、シリアスでアイロニーと、ユーモアとやや自虐的な内容を含んだ膨大な記事を書いていられますので、時間の許す方はご覧になられてみてください。
私は十代の頃から「作曲家になりたい」と言う希望を持っていましたが、クラシック音楽ばかり志向していましたので結果的に「クラシックスタイル」を目指した、ということです。
若い20代から50代の頃まで、「音楽教室経営」で生計を立てていましたので、自分のことを「作曲家」と称することがとてもできなくて「作曲・・「の」・・です」と言っていましたが、この年になってやっと、とても烏滸がましいことながら「作曲家」と自称しています。それでも実際にJASRAC会員ではありますが、他に実業を持ち、生計はそれに頼っているのが現状ではあります。しかし、作曲作品から得られる「報酬の多寡はその範疇に能わず」と言う考えです。前文がとても長くなってしまいました。
私の「作曲家の定義」は、少なくとも自作品において下記のジャンルの作品が有るということを念頭に定義しています。
①ソナタ形式の作品を書いていること。
②管弦楽作品や器楽曲などを書いていること。
③交響曲やオペラなどを書いていること、などなど。 上記のカテゴリーの作品が書けたら「作曲家」と自称しよう、と若いころから決心していました。
勿論、言うに及ばずこの定義を自分以外の作曲家に、あてはめようなどとは夢想だにしておりません。
About Composer's "Genre"
I have self-proclaimed on this my homepage as a title name of "Okinawa Classical Music Composer".
If I translate this, I will be a Ryukyu traditional classical musicians such as Okinawan classical music "songs" and "sanshin or other instruments". And I will have belong to a traditional Ryukyu classical musicians, such as Okinawan classical music "songs" and "sanshin and other instruments."
So, I am still wondering, how to express my category.
As puts it plainly, I am a composer of the "Western classical music style using Okinawa mode".
So, even in the first place, even in the definition of "composer", what kind of works will be "composed"? As a result, I sometimes have a hard time answering.
Generally, how is naturally "The composer is a music creator", but there are also some wide varieties of music to make "The music" itself. It is difficult to explain about composer.
That's why I decided to create my own homepage! And thus, I am starting to make it.
For example, in Europe and the United States, Composer and Singer-songwriter or Sound designer are clearly classified, but in Japan, it seems that all "who are making music " are called "composers".
In fact, in the genre of composers, there is no separation of pure music, movie music, commercial music, entertainment music, game music, etc. And it is impossible that it can be easily classified and separated.
In Europe and the United States, even in the above genres, it seems that the composers themselves often " living separate" in the above genres, but in reality there are times when they are not.
However, there are many "composers" who use both or several genres works dexterously, so it may not be possible to express and classify them at all.
By the way, if you are reading this and find out how many "music genres" are there ... it should be a huge number.
That is why it is very difficult to define a "composer" as "what kind of work does it take?" Because each person has a different way of understanding.
So, I would like to say clearly that my definition of "composer" is "Pure music composer".
Also, as there are various ways of thinking about the definition of "pure music", but I still feel that it is not easy to define.
About In this regard, a composer who is currently performing great compositions both nationally and worldwide, has written a lot of humor, some masochistic content on "Working as a Composer" in an "Interview Style" in this blog. If you have the time, please search.
From since I was a teenager, I had always wanted to be a composer, and has always been interested in classical music, so in the end I wanted to aim for a "classical style".
From the age of 20 to the age of 50, I made a living in "personal music school management", so I didn't call myself a "composer". So, I said of myself, "Composition ... "I"...", But reaching this my age, I'm able to call myself a "classical music composer."
Still, although I am still a JASRAC member, I have other businesses and livelihood depends on it, but the status of a composer is that the income earned from the composition itself is not so important I think that.
Although the preamble has become very long, my "definition of composers" is based on the definition that, at least in my own work, I have my own work in the following genres.
① Must have written instrumental music in sonata form.
②Writing orchestral works and instrumental music.
③ Writing a symphony or an opera, etc.
If I could write all the works in the above categories, I had long decided to express myself as the "classical music composer".
Needless to say, completely I have never thought about applying that definition to other composers.
現今の日本のクラシック音楽事情
前カラム「作曲家のジャンルについて」の記述を終えて、私のこのフリー版ホームページはページ数に制限が有るので、それも気にしながら今度は何について書こうかと思案していたら、昨今の話題は世界中を恐怖に陥れている「新型コロナ」パンデミック関連ニュースばかりです。そのような状況下で「悠長なこと」を記述して良いものか、また不見識をたしなめられるかもしれないと迷いつつ、このような時こそ、ゆとりをもって自分の専門分野のことをHPに書こうと、PCキーボードを打つことにしました。 さて、本題の「現今の日本のクラシック音楽事情」について、現在上記の事象と「緊急事態発出」などにより、ほとんどの演奏会活動が休止している状態です。そこで、これをお読みになられているあなたにお尋ねしますが「近年の我が国のクラシック音楽の愛好者は、総人口の何パーセントぐらいだと思われるでしょうか?」答えは、正確なデータはありませんが、総人口の「1%以下」ではないかと言われています。クラシック音楽の愛好者と言ってもタイプはそれぞれで、演奏を手掛ける人から鑑賞だけをする方まで様々です。また、演奏をする方々のレヴェルもプロとアマの熟練者とでは演奏技量のレヴェルにそれほど差がない場合もあります。鑑賞だけをする方の場合①積極的にコンサートに出かけるほどの生演奏ファン。②マニアックなオーデオ装置で重点的に聴き漁るマニア的オーデオファン③自宅でBGMとして聴くほど。④CDなどの媒体を購入するほど。⑤ネットで視聴するほど。などなど・・・・。実際には、大都会と地方との差も大きいでしょうし、それぞれの地域差も大きいはずです。我が国のクラシック音楽愛好者は1%ほどと言いましたが、現実には「クラシック音楽ファン」はさらに減少の一歩を辿り続けていると言われています。また、年代層も極めて「高齢化」しているそうです。それは我が国だけの問題でなく世界的な傾向だそうです。確かに身近な周囲を見渡しても、十代の若者がクラシック音楽に聴き入っている人を見かけたり、趣味は「クラシック音楽鑑賞」です、と発言したりあるいはコメントしたりしていることを見聞することもあまりありません。恐らくその理由は、現代があまりにも科学技術などの進歩が速すぎて、人々は日々の生活に忙しく、且つ自然現象の変化も激しく、あらゆる面において目まぐるしく変化し、パンデミックや情報過剰もあり、演奏家がステージで音楽を演奏したり、音楽を鑑賞する環境が狭められてきている!というのが実態ではないでしょうか?例えば10年、15年ほどの一昔前までの一般的な感覚では「3分間までは、音楽を我慢して聴いていられる!」と言われていましたが、昨今では「3分間まで待てない!せいぜい2分ほど!」なのだそうです。だとしたら、本格的なクラシック音楽のソナタの3楽章音楽で20分前後、交響曲、協奏曲などは最低30分~40分ほど、長いのは1時間以上、オペラに至っては2時間以上、正にそのような長い音楽に「忍耐できる」はずが有りません。ですので、クラシック音楽を嗜好するということは、現代の時勢に合致していないと言わざるを得ません。この傾向は、今後5G時代に突入すれば「音楽の供給側と需要側」の乖離が更に顕著になってくるものと思われます。更に詳しく分析すると、音楽を提供する「演奏家」サイドから見れば、聴衆側からの現状とは、正反対のことが起きているように思われます。すなわち演奏技巧の面における音楽的技量、表現力、などは一昔前よりはるかに向上し、多種多様の演奏スタイルも芽生えてきて、素晴らしい進化を遂げていると思われるのです。更に何より演奏家の「低年齢化」も加速しています。その証左として、数ある「国際音楽コンクール」において、我が国の若者のコンクール受賞者が毎年多く輩出されております。Youtubeや各種の媒体で演奏を披露されることが良くありますが、私はそれらの演奏に接するたびに「新鮮な驚き」をもって感動します。その演奏領域や既に「巨匠」の域まで到達しているかのようです。そして、何より現代においてそれらの一面を支えているのは、なんと言っても「情報革命」がその一翼を担っているのではないでしょうか?ネットを通して、ほとんどコストをかけることなく過去の名演奏を視聴できる幸福、新しい演奏、作品に接することが出来る幸福、面白く楽しい情報に接することが出来る幸福・・・などなど、良い時代だと思います。半面、その正反対の一面である情報公開化の媒体において「ダークな部分、犯罪の部分」の弊害も「情報革命」によってもたらされているのは間違いのないことです。ツールが悪いのではなくそれを「悪用する人間」が悪いのです。これらの点はここでは論点にしないことにします。いずれにしろ、クラシック音楽界においてマーケット的には、この先厳しいような状況下に置かれているのは確かなことのようにおもわれますが、供給側の側面においてはあらゆる事象において限りなく向上、進化し続けていることは喜ばしいことと思います。従って、これから先は演奏家サイドの意味において、更に専門的に超絶演奏、先鋭的演奏、新しい解釈法の演奏などに細分化されながら発展していくものと考えています。最後に付け加えますが作曲作品の創出の意味において「前衛音楽」の隆盛は、一昔前の時代より力強くはないような、あるいは多くの支持者は得ていないように感じているのは、私一人なのだろうか?
Current situation of classical music in Japan
When I explained the previous column "About the genre of composers", I was wondering what to write next because my free website has a limited number of pages, but recently I am scared of the pandemic news just about "New corona".
If I will be described "Carefree things" in such a situation, or I might be criticized for my ignorance, but at this time, I am confident about my field of expertise on my website.
I decided to hit the PC keyboard to write. By the way, most of the current classical music performance situation in Japan is currently suspended due to the above events and the emergence of an emergency situation.
So, I will ask you, who are reading this, directly "What percentage of the total population do you think are the lovers of classical music in Japan recent years?"
The answer is that there is no accurate data, but it is said that it is "1% or less" of the total population. There are different types of classical music lovers, ranging from those who perform music to those who only appreciate it.
As for performer, there are also cases in which the level of playing skill is not so different between the level of a professional performer and the amateur proficient performers.
In the case of a person who only listens to music ① A live music fan who actively goes to concerts. ② A maniac audio fan who listens intensively with a maniac audio device. ③ Listener to it as BGM at home. ④ The more they buy a medium such as a CD. ⑤ Those persons who are watching it by the online. etc.
In reality, the difference between big cities and rural areas will be large, and the regional differences between them will also be large.
The percentage of classical music lovers in Japan is said to be about 1%, but in reality, it is said that "classical music fans" continuing to take a step toward a further decrease. In addition, it seems that the age group is also extremely “aged” It seems to be a global trend, not just a problem for Japan. Certainly, even if you look around your immediate surroundings, you can see that teens are not listening to classical music, and they are not saying or commenting about that their hobby is not "listening to classical music".
Perhaps the reason is that the present age is progressing too fast in science and technology, people are busy with their daily lives, and natural phenomena changed drastically, these change rapidly in every aspect, there are pandemics and information overrun.
The environment play to music on the stage and at homes listen to music will becoming narrower! Isn't that true?
For example, 10 or 15 years ago, it was said that "Be patient I can listen to music for up to 3 minutes!", But nowadays "I can't wait until 3 minutes! It will about still
2 minutes at most! "
If so, authentic classical music is about 20 minutes with 3 movements of Sonata, at least 30 minutes to 40 minutes for Symphonies and Concertos, 1 hour or more for long, 2 hours or more for Opera.
There is no way to "Be patient" with such long music. Therefore, It will have to say that their preference for classical music is completely unsuitable for modern times. This trend is expected to become even more pronounced in the 5G era, as the gap between the "music supply side and the music reception side" will become even greater.
When from a more detailed analysis, from the "musician" side that provides music, it seems that the opposite of what is happening from the audience side is happening. In other words, it's seems that the musical skill and expressiveness in terms of performance skill have improved far more than they were twenty years ago, and a wide variety of performance styles have sprung up, and that they have made a wonderful evolution. What's more, the "Younger ages" of musicians is accelerating.
As a proof of this, on many international competition winners are produced every year in many international music competitions by Japanese young performers. They are often performed, on YouTube and various media, but I am impressed with "fresh surprise" every time I touch them. It seems that the performance area and the "master" area have already been reached.
And, above all, the "Information revolution" is one of the key factors supporting these aspects in the present age? I think that is great times now, to be able to listen to past famous performances, new performances, happiness to interact with works, happiness to interact with interesting and fun information, etc. through the net with almost no cost. On the other hand, there is no doubt that the opposite of that, the medium of information disclosure, also brings about the harmful effects of the "dark part and the crime part" by the "information revolution" It's not this tools that are bad, "The people who abuse them are bad." These points will not be discussed here. In any case, in the classical music world, it seems certain that the market is in a difficult situation of this times, but on the supply side, it will be improved in every events. I am glad that they continue to evolve.
Therefore, from now on, in the sense of the performer's side.
I think that it will develop while being further subdivided into specialized fields such as transcendental performance, cutting-edge performance, and new interpretation.
Last but not least, the rise of Avant-garde music seems to be less powerful than it was twenty years ago, in the sense of making composable works. Am I the only one who feels that way?
「AI演奏VS.実演演奏」
今後世界の音楽産業界、特に「クラシック音楽界」にとって大変革時代に突入すると思われます。いや、既にそのフェーズに到達しているのかも知れません。クラシック音楽カテゴリー中での、AI作曲はオリジナリティに問題があるので深刻な状況ではないと思いますが、AI演奏は、ステージもしくはスタジオプロのミュージシャンの仕事を奪うのではないかと心配しています。事実、映画音楽などのテーマ楽曲やシーンBGMまで、すべて「AI演奏音楽」で楽曲を通している名作映画作品も数多くあります。というより現在は既にAI演奏音楽の方が多いのではないでしょうか?また「AI演奏と実演」は反目し合うのでなく、両者は融和し合いながらの「情熱的なコラボ演奏」も世界中のステージやスタジオなどで、実験的に盛んに行われています。
商業宣伝映像BGMの、まさにすべてを「AI作曲と実演の合成」で作成しているデモンストレーション映像は、ほとんどこの方法が主流です。(AIVA解説参照・AI作曲ノウハウ)
例えばクラシック音楽以外のすべてのジャンルの音源作り手法において、まず初めに「パーカッション」を打ち込んで、それを基に「種々の楽器をかぶせて多重録音し、チャンネル数すなわち楽器数を増やして最終的に音源を完成させる」方法は、今や音源作りの一般的な基本常識です。
一昔前、すなわち20年~30年ほど前の頃、クラシック音楽界では次のような「隠喩小話」が、音楽家仲間同士の口人に膾炙して広まっていました。誰が言い始めたか解りませんが、既に他界された某日本人著名指揮者が著書で著していました。
曰く、「歌が歌えりゃ~、楽器はいじらない。楽器がいじれりゃ~、棒は振らない。棒がふれりゃ~、作曲はしない。何も出来ないやつが「評論」をする」という「落ち」の小話。 まあ、この小話は、音楽家が常日頃「評論家」からキツイ評価をされ、いじめられていると感じている事象の「倍返し」の反撃の一環とおもわれる小話ですが、音楽家特に演奏家にとっては「胸のすく小話」であることは確かです。
さて、本題のAI技術と音楽の関連について少々記述して見ましょう。AI演奏技術は上述通りとても進化して、実演との相違点が解らないぐらいに発展・進化してきています。
具体的な例として、例えば弦楽器の演奏に関し、ピッチカート奏法は勿論のことボーウイング奏法においても、もはや弓の「あげ弓と下げ弓」のボーウイングから、弓の「背」で弾く「コル・レーニョバットゥート」(collegno battuto)までもが表現出来ています。当然のことながら弦楽器以外のほとんどの楽器の奏法のすべてにおいても、実演と違わないほどのニューアンスを、AI演奏で表現できるようになってきました。出来ないのは、実演者の「息使い」である、「ブレス音」ぐらいでしょうか?しかし、それとて多分曲のフレーズ間に「挿入」しようと思えば可能なはずです。そうしますと、運弓のUP・Downまでも表現でき尚且つ、あらゆる奏法の模倣まで出来るのであれば、考えたくありませんが、もはや「器楽奏者」は、もしかしてソリストの「超絶技巧保持者演奏家(Virtuoso)」以外の通常演奏家は不要になってくる時代が、すぐそこまで来ているのかも知れません。あとはステージ上の「見栄え」の問題などがより重要視されるのかも知れません。もしも、AI演奏が実演にとって代わるということが現実化すれば、既存の多くのプロオーケストラ音楽団体は、経営が立ち行かなくなってきてしまうかもしれません。そうなれば、今後の音楽産業はどうなっていくのでしょうか?
実演支持者の私としては、本当に心もとない時代に入りつつあるような気がしてなりません。ところが、AI演奏に関して現状では、上述の「歌がうたえりゃ~・・・・」のまさに「歌」だけがAI演奏で表現出来ないのです。勿論、言葉の音楽である「歌」に関して簡易的なソフトは数多有りますが、どれも「実演の域」には全く程遠い「粗悪な代物」ばかりなのです。歌は人間が発する「声」で演奏します。「声」には科学的に「声紋」というのが存在します。その声紋をコンピューターで新たに「作成」することは、現在の技術をもってしても「ほぼ不可能」なのです。ですのでAI技術でも、まだまだ到達できないということです。音声疑似合成は何とか出来ても、そこに「音色・音程・ポルタメント・シラブル・モーラ・抑揚・擦過音・破裂音・鼻濁音・口蓋音・・・等々」あらゆる「肉声」でしか「発音」出来ない音が数多くあり、ほとんどそれらはすぐには解決されないと思います。
私達は肉声の場合「あの声は誰々の声だ!」と簡単に認識できますが、それを「技術変換」された場合はなかなか認識が出来ないのです。例えばまさにデジタルのカタマリの「携帯電話」の音声は機械的に「生成」されたAI合成音声なのですが、私達は本人の「肉声との違い」を簡単に識別でき、本人の肉声との違いを明確に認識できるわけです。
また、私達は完璧に同じように他人の声を「発声」することは、簡単でないことは、生理的に解っています。そのようなことから、このように進化しているAI演奏ではありますが「声楽演奏」のAI演奏において、実現はまだ先のように思えます。
一方、あらゆる分野において最新ハイテクの「AI Deep Learning technology」(深層学習技術)や「AI Deep fake technology」(深層合成動画技術)などが有り、悪用されると何でも出来るように進化してきました。現代はほんとに恐ろしい時代に突入しました。
今後は良い方向に進化して欲しいと思っていますが、そのまた「良い方向」という定義も、どのように定義すればよいのか境界線が限りなく曖昧になってきています。
AI performance vs. human performance
In the future, it will coming that the world music industry, especially the "classical music world", will enter an era of great change. No, it may have already reached that phase.
I don't think AI composition in the classical music category is a serious situation because of its originality problems, but I'm afraid that AI performance will take away the work of stage or studio professional musicians.
In fact, there are many masterpieces movie works that use "AI performance music" for all the theme songs such as movie music and scene BGM. Rather, I think there are already more AI-performed music now.
Not only are "AI performances and stage performance" conflicting with each other, but passionate collaborative performances are being actively conducted experimentally on stages and studios around the world while harmonizing with each other.
This method is the mainstream for most of the demonstration videos of commercial promotional video BGM, where exactly will be created by "AI composition and performance software".
For example, in the sound source creation method of all genres other than classical music, first type in the "percussions", and based on that, "overdubbing with various musical instruments, increasing of the more channels that is, the number of instruments. This method of "complete a sound source" is now a common basic technology for making sound sources.
A long time ago, about 20 to 30 years ago, in the classical music world, the following “Strange joke anecdote” spread from mouth to mouth among fellow musicians. I don't know who started to say it, but a famous Japanese conductor who had already passed away wrote in his book before life.
He said this, If I can sing a song well, I won't play with the instrument, if I can play the instrument well, I won't conduct the orchestra and If I will be able to well conduct the orchestra, I will not compose the music. Finally, those who can't do anything with music "criticize". Well, this story is thought to be part of the counterattack of "retribution" because musicians are always harshly evaluated and bullied by "critics", but for musicians, especially performers. Certainly it is a "comfortable story".
Now, let's describe a little about the relationship between AI technology and music. As mentioned above, AI performance technology has evolved so much that it is difficult, to know the difference from stage performance. As a specific example, for example, regarding the performance of stringed instruments, not only the ”Pitch cart playing method” but also this ”Bowing (Violin bow playing method)” will be able to distinguish the difference between the "up and down" of the bow, and in addition even "col legno battuto (Tap the string lightly with the tree part of the bow)" able to be expressed.
As a matter of course, AI performances have come to be able to express nuances that are no different from demonstrations in all of the playing styles of most of the instruments other than stringed instruments. Is it only the "breathing sound" that is the "breathing" of the performer that cannot be done? But maybe it's possible if you try to "insert" between the phrases in the music.
If the AI performance can represent the top and bottom of the bow and mimic all playing styles, I don't want to think about it, but maybe the "ordinary instrumentalist" is no longer needed. Perhaps the time has come when regular performers other than the soloist "transcendental technician performer (virtuoso)" are no longer needed not. After all, in stage performances, issues such as "appearance" may become more important. If it becomes a reality that AI performances will replace stage performances, many existing professional orchestra music groups may become economically inoperable. If that happens, what will happen to the music industry in the future?
As a supporter of stage performances, I feel that we are entering an era of real concern.
However, with regard to AI performance, at present, only the very "song" of "If I can sing a song well ~" cannot be expressed by AI performance. Of course, there are many simple software for "songs", which are the music of words, but all of them are many "not good soft wares" that are far from the "Human performances". the song music is the best played with just human.
There is a scientific "voiceprint" in "voice". It is "almost impossible" with current technology to "create" that voiceprint on a computer.
Therefore, even with AI technology, it is still unattainable.
Even if the voice pseudo-synthesis can be managed it not can be "pronounced" only with all "Human voice" itself.
In other words, " tone, sound pitch, portamento, syllable, mora, intonation, scraping sound, plosive sound, nasal muddy sounds, palatal sounds.... etc.".
I think there are a lot of Impossible sounds and most of them aren't resolved right away.
In the case of a real voice, we can easily recognize that "that voice is that person's voice!", But when it is "technically converted", it is difficult to recognize it.
For example, the voice of a digital "mobile phone" is an AI synthetic voice that is mechanically "generated", but we can easily identify the "difference from the real voice" of the person and the voice of the person. We can clearly know that the difference.
We also know physiologically that it is not easy to "speak" another person's voice in exactly the same way.
For that reason, although it is an AI performance that is evolving in this way, it seems that the AI performance of "Human vocal performance" has a long way to go. On the other hand, there are the latest high-tech "AI deep learning technology" and "AI deep fake technology" in every field, and if they are abused, they have evolved to be able to do anything. The present age has entered a truly terrifying era. I hope it evolves for the better in the future, but the definition of "good" is infinitely vague about how to define it.
私は上のカラムに「AI作曲はオリジナリティーに問題があるので、クラシック作曲家の仕事を奪うような、深刻な状況ではないと思う。」と書きましたが、その文章について更に論を深めてみようと思います。
オリジナリティーとは「独創性」と定義されていますが、そもそも独創性の内容判断が簡単にできるものではありません。例えば、現代のクラシック音楽家の方々もしくは愛好家の方々に、歴史的大作曲家バッハ、ベートーヴェン、モーツアルト、ブラームス、ショパン・・・・などの作品の片鱗を、ほんのわずか聴いてもらっただけで、それを試聴する彼らにとって、たとえ「初めて聴く曲」であった場合であっても「誰々の作品!」と、すぐに判断できると思います。具体的に例示しますと、例えばショパンの曲を聴いて、「これはバッハの作品だろう!」という音楽家は、一人もいませんし、ベートーヴェンの作品を聴いて、「これはショパンの作品だろう!」という音楽家も、間違いなく一人もいないでしょう。全く、クラシック音楽を演奏しないあるいは聴かない方々は、それぞれの作曲家の相違点などはほとんど解りません。ですので、上述しました「独創性」すなわち「オリジナリティー」の相違が解りませんので、作品を聴いて「誰々の作品!」という推察はすぐには出来ないと思います。また、AIに過去の多くの名曲を「ディープラーニング」させて作品を書かせたら、恐らく「独創性の無い、ありきたりの作品」になる事が想像できます。事実、AI音楽作品はそのような作品になっていると私は感じています。すなわちクラシック音楽カテゴリーにおいて「オリジナリティー」が弱いという所以です。敢えて言わせていただくと、このような作品は個性のない「ごちゃまぜ作品」以外の何物でもないような気がします。しかしながら、上述の正反対の事、すなわち大作曲家の「誰々風作品」というように「指定」した「新しい作品」をAI作曲家が作曲することは、可能だと思います。しかしもしそうなら、いまさらバッハ風の作品、ベートーヴェン風の作品、誰々風の作品をAIが作曲したからと言っても、それが何になるのでしょうか?(実際にそのような試みは既に始まっています。)暴論かも知れませんが「オリジナリティー」とは「個性」そのもので、ある特定の大作曲家風の作品をAIが作っても、本人が過去の人なら、私にはそれは「無意味」としか思えません。
クラシックスタイル音楽には「様式と形式」というのが、きちんと決められています。様式においては、例えば「交響曲」は管弦楽のためのソナタ形式を伴う大体4楽章の楽曲。協奏曲は、一つの独奏楽器と管弦楽のためのソナタ形式を伴う3楽章の楽曲。ピアノソナタは、ピアノのためのソナタ形式を伴う3~4楽章の楽曲。ヴァイオリンソナタは、通常ヴァイオリンとピアノを伴う3~4楽章のソナタ形式の楽曲。などと、厳格に決められています。そして「形式」にはさらに、厳格な定型が有ります。例えばソナタ形式の一楽章の部分は「四つの部分(起承転結)からなる楽曲形式」、また他の楽章の場合、例えばロンド形式「ABACABA&Coda」形式からなる楽曲と決められています。ですので、3分ぐらいの楽曲を「交響曲」と称したり協奏曲と称したりすると、「様式、形式」の上で、その規定を満たしていないので、その名称に適合していないということになります。
第三に、現状のクラシック音楽新作品の経済的効果からの需給の考察
すべての商品及び作品には必ず、経済効果上の「需要と供給」というものが付いて回ります。この需給の現状を勘案すると、現代においてもはやクラシックスタイルの新しい作品の「需要」は限りなく少ないのではないでしょうか?とても「自虐的且つ独断的」考察ですが、労力に対する対価は全く一致しないにも関わらず、現況は、はるかに「人間作曲家」からの供給過剰状態です。
そういう私自身もそのうちの一人ですが、更にそこにかなりの費用を費やして、AIの「ディープラーニング」システム導入を「プログラミング」して、それを起動、稼働させ「クラシックスタイルの楽曲作品」を生み出しても多分、費用対効果の面で全く採算が取れないと思います。
第四に、現段階でのAI作曲の能力について
これも重要な要素の一つですが、現在AI作曲作品制作は、3分以内の曲しか作曲できていません。3分以内で上述の「構造的クラシックスタイル」の楽曲を作曲するのは、既述通り不可能だと思われます。
第五に、AIが作曲してAIが演奏した「音楽作品」について。
私は、現代のクラシック音楽家、もしくは音楽愛好者にAI演奏が支持されるか?ということにおいて重大な疑念を持っています。なぜなら、恐らく上述の方々は、高度の音楽判断能力を持っていますので、「構造的クラシックスタイル作品の演奏」として、現段階では支持もしくは愛好しないと思います。しかしながら、実情を推察するとクラシック音楽知見判断基準をお持ちでない「一般」の方々には、AI作曲、AI演奏は全く無理なく受け入れられています。このことから結論として、上述の総合的観点からAIによる「構造的クラシックスタイルの新作作品」には、現時点に於いて、その「確固たる地位を築くことには」まだまだ道のりは遠いと思いますが、既述通り一般的「商用音楽」としてのAI作曲、AI演奏音楽はむしろ大いに支持され、その利用範囲は更に拡大するであろうと思われます。最後に一つの懸念が出てきました。今後、もしかしてAI作品の「フェイク作品」などが、発表されるかもしれません。「有名作曲家の誰々の新発見の作品」とか、あるいは、失われた部分の「断片部分」とか、このような暇なことをする人は居ないと思いますが・・・・。【ついに、起きました!私が危惧していたこと!。時間ある方はご試聴あれ!シューベルト「未完成AI作曲」実際は人間がオーケストレーション、AIはメロディーだけ】しかし近年、我が国で「ゴースト作曲家」事件が起きています。私はその事件の時、騒がれる前から既に「贋作」だと友人達に言っていました。今後、AI作曲ソフトで作曲して「自作」です、などと、フェイク作品も頻繁に出て来るかも知れません。ほんとに何が起きるか、解らない時代になってきました。※2021.03.06.音楽以外の新しい「AI写真」技術発表。
"AI composer VS. human composer"
I wrote in the column above, "AI composition has a problem with originality, so I don't think it's a serious situation that would rob a classical composer of his job." Therefore, I would like to deepen the argument about the sentence.
First of all, about originality
Originality is defined as "creativity", but it is not easy to judge the content of originality in the first place. For example, modern classical musicians or enthusiasts listened to just a few of the works of historical composers Bach, Beethoven, Mozart, Brahms, Chopin ...etc.
For those who listen to these music, even if it is the first song they listen to, they can immediately say, "It's that person's musical piece!"
To give a concrete example, for example, there is no musician who listens to Chopin's music and says, "This is Bach's works!", and when if he listens to Beethoven's works, "This is Chopin's work!" There is no doubt that there is no such musician.
For those who don't play or listen to classical music, that is, those who don't listen to much music, the differences between these composers are barely understandable.
Therefore, even after listening to the work, I do not understand the difference between the above "creativity", that is, "originality". I don't think you can immediately guess "whose music is it?"
Also, if we let AI "deep learn" many of the past masterpieces and write a work, you can imagine that it will probably be a "non-original, ordinary works". In fact, I feel that AI music works are such works. In other words, the reason is that "originality" is weak in the classical music category.
If I dare to say it, I feel that such a work is nothing more than a "mixed works" with no individuality.
However, the AI composer may be good at composing the opposite of the above, if that is, a "new works" that is "designated" like the great composer's "someone's works styles".
But if so, what is the values of the current composition of Bach-style works, Beethoven-style works, and anyone-style works at in this modern times? (In fact, such an attempt has already begun.)
I may have argued violently, but "originality" is "individuality" itself, and even if you make a certain famous great composer-like works, if you are a past person, it is "meaningless".
Second, classical style music have a fixed format.
For classical style music, "style and form" is well defined. In terms of style, for example, "Symphony" is a piece of roughly four movements with a sonata form for orchestra. A concerto is a three-movement piece with one solo instrument and a sonata form for orchestra. Piano sonatas are 3-4 movements with sonata forms for the piano. Violin sonatas are usually 3-4 movement sonata form songs for violin and piano. So it is strictly decided.
And there is a stricter standard for "form". For example, in the case of other movements, for example, the Rondo form is determined to be a song consisting of "ABACABA & coda", and the part of one movement in the sonata form is determined to be a music consisting of "four parts (Dramatic structure)". Therefore, if a song of about 3 minutes is called a "symphony" or a concerto, it does not meet the conditions in terms of "style, form", so it will does not conform to the name.
Third, consideration of supply and demand from the economic effect of the current new classical music works.
Every product and works always comes with an economic "supply and demand". Considering this current supply and demand situation, the "demand" for new classic-style works is infinitely small in modern times.
It's a very "self-deprecating and dogmatic" as a consideration, but despite the fact that the price for the effort is completely inconsistent, the current situation is far more oversupplied by "human composers", it is saying myself am one of them also. But It's also spending a considerable amount of money on it, "programming" the introduction of AI's "deep learning" system, starting it up, and operating it's "classical music production". I think that even if it is produced, it will probably not be profitable in terms of cost effectiveness.
Fourth, about the composition ability of AI composition at the present stage.
This is also one of the important factors, but at present, AI composition works can only compose music with a capacity of less than 3 minutes. As mentioned earlier, it would be impossible to compose music that would complete the above "structural classical style" music in less than three minutes.
Fifth, about "musical works" composed by AI and played by AI.
I have serious doubts about whether AI performance is enthusiastically favored by modern classical musicians or music lovers. This is probably because the people mentioned above have a high level of musical judgment, so I don't think they support or like it as a "classical style performance" at this stage.
However, to tell the truth, AI composition and AI performance are completely accepted by "general people" who, do not have high level of performance judgment ability.
In conclusion from this, from the above-mentioned comprehensive point of view, AI-based "classic-style new works" are still a long way from "establishing a solid position" at this point, but in general" AI composition and AI performance music as "commercial music" are rather widely supported, and it is expected that their range of use will be further expanded.
In conclusion from this, from the above-mentioned comprehensive point of view, AI-based "classic-style new works" are still a long way from "establishing a solid position" at this point, but in general, " AI composition and AI performance music as "commercial music" are rather widely supported, and it is expected that their range of use will be further expanded.
Finally, one concern came up. In the future, AI works such as "fake music works" may be announced. There may will be fake announcements, on the any some famous composers, saying that they are "newly discovered works" or "fragments of lost parts". Normally, I don't think there are any persons who do this kind of leisure times.
However, in recent years, a "ghost composer" incident has occurred in Japan. At the time of the incident, I had already told my friends that it was a "counterfeit music works" even before the noise. In the future, there will surely be a lot of fake music such as "self-made" after being composed by AI composition software. We are in an era when we really don't know what will happen.
「マイナー作曲家と女流作曲家」
私がコンピューターを本格的に使い始めたのは、1997年頃に「IBM Aptiva 720」パソコンを入手してからです。ですから、PCの使用歴はまだそれほどですが、当時のPCは電源を入れてからインターフェイスのブラウン管モニターが起動するまでに、起動音のいろいろな機械音がして、おそらく5~10分近くはかかったのではないでしょうか? 実際に、立ち上がりまでにどれだけの時間がかかったか、計測したことはありませんでしたが、とにかく現今のPCと比べると、考えられないぐらいの性能の低さであったことだけは確かです。記憶媒体と言えば「フロッピーディスクドライブ」があっただけで、DVD、CD、USBも無くHDD容量たるや540MB、メガビットでした!ギガビットではありませんよ。インターネットもADSLという電話回線の「メタル配線」を使ったもので、使用時間も「使い放題」ではなく「時間制」でした。インターネットは確かに情報収集のツールの一つではありましたが、まだまだ情報配信が遅れていたような気がします。メールもMSのOutlook Expressのシステムを通しての、メールのやり取りをしていました。とにかく、当時と比べますと今の技術の進歩はあの頃の、何千倍、否何万倍の能力・性能向上を遂げて居るように思います。
インターネットのYouTubeは2005年ごろから配信されていたと思いますが、音楽家の私はYouTubeの恩恵を十分に受けている人の一人だろうと思います。まあ、しかし私は実際にYouTuberではありませんので「実利」はあまりありませんが、幸運にもYouTubeが配信されるようになってから、大変な数のクラシック音楽作曲家の作品に接することが出来ました。作曲家の知名度は、インターネットが一般的に普及するまでは、その指標は作品が広く一般的に「実演」されるか、もしくは「レコードやCDなどの商品販売」に資することができるか否か、に掛かっていたわけで、それ以外のマイナー作曲家に関しての情報は多くありませんでしたので、彼らが周知されるようになったのも情報化時代になってからのことだと思います。昨今の自分のネットYouTubeフォルダーの「作曲家名別ライブラリー」が400人を超えました。特に20世紀前半に活躍した、マイナー作曲家がほんとに多いこと!多いこと!
インターネット、特にYouTubeの音楽配信が頻繁になる以前までの空白期間は、作曲家作品の1900年頃から1950年頃までの半世紀間のマイナー作曲家の作品には、上述の理由により接するチャンスが極めて少なかったのです。インターネットYouTube動画配信が数多くのマイナー作曲家作品を積極的に配信できたので、それまでごく限られた人にしか知られていなかった、それらのマイナー作曲家が一般的に数多く知られるようになったことは、私にとってそれはもう衝撃的なオドロキ以外の何物ものでもありません。
例えば「クラシック音楽作曲家」の(私のその定義は、上記カラムに既述しました。) 特に、マイナー作曲家の中での「女流作曲家」も、私のライブラリーに30人ほどにもなりました。 今まであまり知られていなかった作曲家で、素晴らしい「交響曲、協奏曲、器楽ソナタ作品・・・・」などの大作を多く残している、女流作曲家の方々が数多くいるのです。そして、繰り返しますが、それらの作品がほんとに素晴らしいのです。
もしも、インターネットの投稿サイトのYouTubeなどが、このように発展しないで、情報公開もなされなかったとしたなら、そのような作品の一般公示も、されなかったかも知れません。 このカラムで具体的な女流作曲家の名前を列挙することは、敢えてしませんが、皆様もご興味があれば情報収集によって、適切な情報が得られるものと思われます。翻って、我が国にも「交響曲、協奏曲」などの素晴らしい作品を残している、偉大な作曲家がいたことが昨今周知され始めています。なぜ今まで名声を博すことができなかったかと言えば、上述した理由や、作曲家自身が夭折したり、長い間「実演されなかったり」と、いう事が理由ではないかと、私個人は思っています。
私のHPのコンテンツ容量については、何度か記述していますが「フリー・ホームページ」のため、容量に制限があります。そろそろ余裕がなくなってきましたので「ブログ」を利用することにより、冗長性を確保することができること、確認いたしました。これからの情報は「ブログ」に移動しようか、現在迷っています。ですので、ブログタブは作成しましたが、まだ投稿はしていません。しばらく迷っています・・・ごめんなさい。
"Minor composer and female composer"
I have started using computers in earnest around 1997 when I got an "IBM Aptiva 720" personal computer. Therefore, I have been using personal computers since then, but it took about 5 to 10 minutes for the personal computer starting up while the CRT monitor of the interface made various mechanical sounds after the power was turned on.
Actually, I have never measured how long it took to start up, but it is certain that the performance was unthinkably low compared to the current PC anyway.
Speaks of storage media, there was only a "floppy disk drive", and there was no DVD, CD, or USB, and the HDD capacity was 540MB, MEGA bit! definitely It's not GIGA bit!
The Internet also used the "metal wiring" of the telephone line called ADSL, and the usage time was "time system" instead of "unlimited use".
The Internet was certainly one of the tools for collecting information, but I feel that information distribution was still delayed at that time. E-mail was also exchanged through the Outlook Express system of MS.
Anyway, compared to those days, I think that the technological progress of today has improved thousands of times and tens of thousands of times more than those days.
I think YouTube on the Internet has been distributed since around 2005, but as a musician, I think I'm one of the people who are fully benefiting from YouTube.
Well, but I'm not really a YouTuber so I don't have much "real profit", but fortunately I've been able to listen a huge number of classical music composers in the world since YouTube was released.
The reason is related to the following, the composer's name will be known bat whether or not the work can be widely and generally "demonstrated" or contribute to "sales of goods such as records and CDs" until the Internet becomes popular at this time, in this before the development of the Internet, there wasn't much information about minor composers, so I think it wasn't until the information age that they became known.
The number of "library by composer name" in my online YouTube folder has exceeded 400 people these days. Especially, there are so many minor composers who were active in the first half of the 20th century! That number is so many!
During the blank period before the frequent distribution of music on the Internet, especially YouTube, there was very little chance of contacting the composer's work for half a century from 1900 to 1950 for the reasons mentioned above especially. Internet YouTube video distribution has been able to actively distribute the works of many minor composers, so many of those minor composers, previously known only to a very limited number of people, have become generally known. It's nothing more than a shocking surprise for me. For example, "classical music composer" ― my definition has already been mentioned in the above column ― especially "female composer" among minor composers is about 15 people in my library.
For example, "classical music composer" ― my definition has already been mentioned in the above column ― especially "female composer" among minor composers is about 30 people in my library. There are many female composers who are little-known composers and they have left many great works such as wonderful "symphonies, concertos, instrumental sonatas...."
And again, those works are really great. If YouTube, an Internet posting site, did not develop in this way and information was not disclosed, it may not have been publicly announced to the public.
I will not dare to list the names of specific female composers on this homepage, but if you are interested, I think that you can get appropriate information by collecting information.
On the other hand, it has recently begun to have known that there were great composers in our Japan who have left wonderful works such as "symphonies and concertos".
The reason why they haven't been able to gain fame until now is probably because of the reasons mentioned above, I personally think the composer's dying prematurely, or the fact that they haven't been "demonstrated" for a long time.
「現代における純音楽クラシック作品」
私は今までの「文章欄」において、クラシック音楽の基本的な「様式から形式」等について簡単に記述しました。そして、現代の Computer technology の 「Artificial Intelligence」すなわち、AIの発達した時代におけるクラシック音楽のAI演奏やAI作曲など、今般の「最先端技術」についても言及してきました。
今回記述するテーマは、現代においてもクラシック純音楽スタイルの作品は、現今の作曲家たちの手によってどんどん生み出されているという事について述べてみます。具体的にジャンルを提示しますと、オペラ、交響曲、協奏曲、各種組曲、各楽器のためのソナタ作品、さらに宗教曲においてはキリスト教典礼音楽、オラトリオ、ミサ曲、レクイエム、合唱曲、ブラスバンド、歌曲、等々ありとあらゆるスタイルの作品を、手掛けて創出している作曲家がとても多くいます。それは、世界的な規模だけでなく、我が国にもほんとに多くの作曲家達が、現在活躍しています。
ネットで色々なサイトを検索するだけで、ありとあらゆるジャンルの現代に作曲されているクラシック音楽作品を取り上げているサイトがたくさんあります。特に国内作曲作品については、敢えて「公平性」を保ち、「偏在」しないように、ここで、具体的な作曲家個人名をリストアップしたり、それらのサイトなどを提示したり、リンクを貼り付けたりしませんが、皆様も是非ご自分で、音楽サイトの「ネットサーフィン」をなされて情報を収集してみてください。
私の知っている国内の作曲家で新作交響曲を作曲する方、宗教曲の「レクイエム」の作曲をライフワークにしている方もいます。その方々に直接お会いしてお話を聞くこともありましたが、その熱の入れようは「並大抵のもの」ではありません。それはそれでほんとに尊く素晴らしものがありますし、また、沢山のオペラ作曲もしている作曲家もいますが、ほんとに素晴らしいものがあります。クラシック音楽の中で、作曲されている新作作品群のことについて最もわかりやすく、具体的に記述しますが、例えば我が国で一番多く作曲されているジャンルの音楽作品は、統計は取っていませんが、おそらく「合唱」作品ではないでしょうか。
それはなぜかと言いますと「演奏機会と演奏者が多い」からです。合唱は全国の学校を始め、各地方に各種多くの団体がありそれらの本部、支部を合わせると大変な数の「楽譜」を必要とする演奏者がいるからです。という事は、それだけ「楽譜」の需要があり、演奏会を開催しても動員数規模が大きく、経済的な採算性が極めて高いからです。現在はコロナでそれらがすべて「規制」状態ですので、演奏会を開催されることは多くはありませんが、おそらくコロナから解放された暁には、爆発的に新しい音楽作品が発表されることでしょう。それは、おそらく上述しました「合唱作品」にとどまらず、各ジャンルの作品に及ぶことでしょう。
本来「新作クラシック作品」と言うものは、演奏家の実演のように直ちに評価判断できるものではありませんので、その真価の判断は後世の人々が下すものであり、長い時間を経て定着するものでありましょう。古い言い回しですがまさに、それは「人口に膾炙」しながら、徐々に残っていくものではないでしょうか?そういう意味において、作曲家を目指す方々はやや自虐的な表現ですが「自己の存命中」には十分な肯定的評価は得られないものと、初めから期待してないものです。
作曲家は、いつの時代も先端を行くパイオニアであり一足先を歩んでいるので、なかなかすぐには一般的には受けいられ難い事象も起きるのではないか、と覚悟を決めながら創作活動をしているものなのです。
"On the modern pure music classical works"
I briefly described the basic "Style and form" of the classical music in the "Text section" until now.
I have also mentioned the "Artificial Intelligence" of modern computer technology and the current "state-of-the-art technology" such as AI performance and AI composition of classical music in the era of AI development.
The theme this time, I'm going to talk about that is the modern composers continue to produce works in the style of classical pure music.
There are that genres include, opera, symphonies, concertos, various suites, sonatas for each instrument, and religious liturgical music, oratorio, mass, requiem, chorus, brass band, song and there are so many composers who create works of all styles.
It is not only on a global scale, but also in Japan, a large number of composers are currently active.
You can find sites that feature contemporary classical music of all genres by simply searching the internet for different sites.
I dare to maintain "Fairness" and "Not biased" especially for domestic composers list specific composer's individual names, not present those sites, etc., and paste not links. I will not attach it those but please take "Net surfing " on the music site and collect information by yourself.
Among the domestic composers I know, there are those who compose new symphonies and those who make the composition of the religious song "Requiem" their lifework.
I've met them in person and talked to them, but their passion isn't "ordinary."
It's really precious and wonderful, and while some composers also compose a lot of operas, it's really great too.
Among classical music, I will describe the new works that are composed in the most understandable and concrete manner, but for example, the music works of the genre that is the most composed in Japan do not collect statistics. However, it is probably a "chorus" works.
The reason is that there are many performance opportunities and performers. This is because there are many groups in each region, including schools all over the country, and there are performers who need a huge number of "scores" when their headquarters and branches are combined.
This is because there is a demand for "musical scores", and even if a concert is held, the number of mobilization is large and the economic profitability is extremely high.
These days concerts are rarely held now that they are all "regulated" in Corona, but if we overcome Corona, and explosive new musical pieces will be released.
It that probably extends beyond the "Chorus works" mentioned above to works of each genre.
Originally, "New classic works" cannot be evaluated and judged immediately like performers' performances, so the judgment of their true value is left to posterity, and it takes a long time to take roots.
It's an old phrase, but I think it's something that While "propagating from person to person" and gradually remains. In that sense, those who aim to become composers are somewhat self-deprecating expressions, but I do not expect from the beginning that they are not expect a sufficient positive evaluation during "While the composer himself is alive in."
Most classical composers are always ahead of the curve because they are pioneers at the forefront of the times, so we are ready to take on events that are generally unacceptable.
私のこのHPの根本スタンスは「クラシック音楽スタイルによる沖縄旋法音楽」の作品について記述し、できることならこのような自分の作品についても周知していただきたい、との希望を持ちHP開設を試みました。HPの書き込みコンテンツ量にも余裕が無くなってきましたので、終盤にあることを認識し基本的なスタンスである、上記タイトルについても追記しておこうと思います。
私が志向しています、この「沖縄旋法クラシック音楽」の作品に共感をいただけるか、もしくは支持、賛同、愛好して下さる方々がいられるか、わかりません。また、クラシック音楽のスタンスで、新しい沖縄旋法作品を生み出してくれる作曲家も、今後出てくるのかどうかもわかりません。
少なくとも、私が沖縄文化の精神で「クラシックスタイルの音楽」を希求していたことは、私の少ない作品の中からそのことが示唆できたのではないかとは、思っています。
僭越ながら、具体的に私のスタンスをここで再確認しながら記述させていただきます。
沖縄地方の既存民謡、古典音楽などのメロディーをそのまま素材として用いることによる、創作作品についてはそれらの作品を聴く人にとっては「編曲なのか?オリジナルなのか?」判断しにくい作品になると私は認識しています。
既存の沖縄音楽すなわち民謡、古典音楽などは、とても「オリジナリティー」が強く、民謡は当然のこと「歌詞」が伴いますので、その作品を聴く人にとってイメージが極めて強く固定され、一方、沖縄旋法クラシック音楽作品を書く者にとっても、交響曲などのような純音楽のモチーフとしては用いにくいだけでなく、メロディーの論理的な「展開・発展・反転・伸長・縮小・・・」などの素材としての汎用性に極めて脆弱的であると思われます。また、沖縄古典音楽においてもほぼすべての楽曲に「歌詞」が楽曲全般を支配していますので、民謡と同じ要素が含まれています。それゆえ、もしも沖縄旋法で純音楽を構築しようとするなら、新しい素材を用いざるを得ず、その点から「メロディー新作」の方向性はすでに定まっているように思います。沖縄旋法について、広義に利点を挙げれば幸いなことに、沖縄音楽は「機能和声や調性感」があるように思います。
その理由は、沖縄の人々は琉球時代から広く航海に出て遠くは中近東、近くは中国及び東シナ海の国々との交易を通して、それぞれの文化の影響を受けそれらを吸収し、持来したからではないでしょうか。ですので、現在でも沖縄では沖縄民謡などを用いた「ジャズやポップス」の音楽も盛んに演奏されています。そして、昔から行われている「エイサー」祭りにおいても伝統的な楽曲は勿論、新作エイサー楽曲も披露されダイナミックなアクションと音楽が、世界中の若者の興味を引き付けています。
これらの沖縄音楽は、即ち琉球古典音楽・民謡からジャズ、ロックそして私が提唱しています「沖縄旋法クラシック音楽」に至るまで大きな汎用性と柔軟性を明示していると思います。
余談ですが、ポルトガル語で、琉球人のことをLEQUEIOS(レキオス)と言います。琉球は15世紀以前から中近東との交易をしていたことが知られていまして、今でも沖縄のことをOKINAWAと言うよりLEQUEIOもしくはLEQUEIOSと言った方がポルトガルやスペインの方々には馴染があるそうです。
その点、邦楽のように「機能和声」が適用できない素材の場合は「西洋クラシック音楽スタイルでの創作」において、邦楽要素より琉球旋法要素の方が若干有利かもしれません。
かつての海洋貿易国琉球とは正反対に、我が国日本は300年近くにもわたる「鎖国」政策により、文化的な意味で「ガラパゴス化」して「機能和声や対位法」などが適用できない場合がなくもないですがしかし、それが文化と言う意味において、邦楽は却って「優位性」が有るかもしれません。私は自作品を通して日本人と琉球人のDNAも継承していることを証明しています。そのような意味においてこの二つの、違う文化に矜持と先人達への尊崇の念を持っていることをここで表明して、文章を閉じます。
About "Okinawa Mode Music Works in the Future"
My basic stance on this HP is to describe the works of "Okinawa Mode Music by Classical Music Style", and if possible, I tried to open the HP with the hope that I would like you to know about my own work as well. Since the amount of content to be written has run out in HP, I will recognize that it is in the final stage and add the above title, which is the basic stance.
I don't know, if you can sympathize with this "Okinawa Mode Classical Music" works that I am aiming for, or if there are people who support and love it.
Also, I don't know if there will be any composer who will create a new Okinawa mode works with a classical music stance after me.
At the very least, I think that my desire for "classical music" in the spirit of Okinawan culture could have been suggested from my few works.
I'm sorry, but I would like to reconfirm my stance here.
I understand that, when composer using the melody of existing folk songs and Ryukyu classical music of the Okinawa region as the material as it is, I think that it is difficult for those who listen to those works to judge "Arrangement or original?"
Existing Okinawan music that is folk songs and Ryukyu classical music, has a very strong " originality", and folk songs are naturally accompanied by "lyric poetry". For audience, they don't know if the work is an arrangement or original works.
Not only is it difficult for composers to use it as a pure musical motif like a symphony, but it is also a weak melody as a material for grammatical "Development, deployment, reversal, enlargement, reduction".
It also seems to be very vulnerable to versatility.
Also, in Ryukyu classical music, "lyrics" dominate the entire song in almost all songs, so it contains the same elements as folk songs.
Therefore, if we want to build pure music with the Okinawa mode, you have to use new materials, and from that point, I think the direction has already been decided. And fortunately, Okinawan music has "Functional harmony and tonal feeling" in a broad sense.
The reason is that the people of Okinawa have sailed widely since the Ryukyu era, and have traveled to distant Middle Eastern countries, China, and Southeast Asia.
Therefore, "jazz & pops" music using Okinawan folk songs is still actively performed in Okinawa.
And, at the "Acer" festival that has been held for a long time, not only traditional songs but also "New Acer songs" are shown, and the dynamic action and music attract the interest of young people all over the world.
I think that these Okinawan music offers great versatility and flexibility, from Okinawan classical to jazz, rock and the "Okinawa mode classical music" that I advocate.
As an aside, in Portuguese, Ryukyu or Ryukyu people are called LEQUEIOS. It is known that Ryukyu has been trading with the Middle East since before the 15th century, and it seems that people in Portugal and Spain are still more familiar with Okinawa than OKINAWA.
In that respect, Okinawan music may be slightly more advantageous than Japanese traditional music elements in "creation in Western classical music style" in the case of materials to which "Functional harmony" cannot be applied, such as Japanese traditional music.
Unlike Ryukyu, a former maritime trading nation, Japan has been culturally "Galapagosization" for nearly 300 years by its "isolationist" policy, and "functional harmony and counterpoint" may not be applicable.
However, Japanese traditional music may have "superiority" in the sense of culture.
As well as being Japanese, I also inherit the DNA of the Ryukyu people. In that sense, I would like to conclude my statement by expressing my pride in these two different cultures and my respect for my ancestors.
「ブログページ開始」
随分とお待たせいたしました、久しぶりの更新です。私のHPは段々と「カラム」が無くなってきていますので、気ままな更新もできずにいたのです。このHPのことを、音楽をしない私の友人たちからは「全く専門的すぎて、まるでチンプンカンプン、意味不明」とよく言われています。
考えて見ると確かに、専門家向け内容の理解には「手も足も出ない」と言う人は、とても多いのは確かです。したがって、私もその意見には完全に同意します。ただ、専門的に音楽は解らなくても、私が「リンク」を張っている情報などには、とても興味があり、特にAI、コンピューター情報は現代の「先端技術情報が得られて」ありがたい、と言ってくれる友人も何人かはいます。
また、音楽専門家ではあっても、私のHPは作曲家の目線で書かれているので、同じ音楽家としての演奏家にとって、自分の専門以外のジャンルは難解だとの意見もある。しかし、反対に音楽仲間から「目からウロコ」だったよ!と言ってくれた人もいますので、自分のHPが無駄ではなかったと、確認できたことが嬉しい。
具体的に言うと演奏家であっても、例えば楽譜の一例を挙げると、楽譜の記譜法においてビオラ記号、テノール記号、バリトン記号などそれぞれに「馴染み」がない音部記号の楽譜には、面食らってしまうのが通常なのです。私はビオラを演奏することはできませんが、しかしビオラ記号はスイスイと読めます。何故かと言いますと、幸運なことにオーケストラで「トロンボーン」を担当したことがあるので、そのおかげだと思っています。ブラスバンドのトロンボーンは大抵、ヘ音記号表記ですが、オケのトロンボーンは上述の「すべての音部記号」が用いられるのです。
特に、チャイコフスキーのSymphonyのトロンボーン・パート、第2トロンボーンにおいては楽曲中に、何度も「音部記号」が変わることが多いのです。例えば初めに、へ音記号でスタートした楽曲の楽譜が、何小節かで突然アルトに変わり、しばらくしてテノールに変わり、突然へ音記号に戻り、さらにト音記号・・・などなど、と目まぐるしく変わる場合が多いのです。これには、最初は「面食らいますよね!」チャイコフスキーで、そのような「良い経験」させてもらったので、ハ音記号に慣れたのです。ハ音記号について一番わかりやすい説明は、ハ音記号は「記号が移動するのでなく、五線が移動する」と、( HPのハ音記号のページで、しっかり説明してあります。) きっちり、認識すれば、何の問題も無いのですが、発想の転換ができない場合やそれに慣れない場合は、それもそう簡単ではありません。
あれ、あれ!またまた専門的過ぎました、すみません。ここでは上述のことを言いたかったのではなく、音楽と全く関係のない文章をこのHPにも書き始めたことを、ご報告したかったのです。すなわち「ブログページ」を設定して「カテゴリー」ごとにまとめてブログを書き始めました。このHPの、ここのMOMEページは「専門的すぎてわからない!」と言う方にも、このブログページは多分、解りやすいと思います。ブログページは、ただ、私の素人の「思い付き」で書かれていますので、内容の専門性及びきちんと検証などもされていません。また、ブログですので英文も加えません。記述文章については、間違っていることも、もしかしたら書いてあるかもしれません。暇話程度の内容ですので、疑問に思われた方は、ご自分でしっかり検証されて知見を深めてください。そのような意味において、一般問題提起の提供資料としては、ブログページの試読も無駄ではないかもしれません。
Blog page
Did I keep you waiting? It's been a long time. My homepage has fewer and fewer "columns" so I couldn't update it freely.
Many of my friends who don't play music often say that This HP is said that "Too professional, it's like Greek, I don't understand the meaning".
When I think about it, it's true that there are so many people who say, "I can't find a way to understand" when it comes to understanding professional content. Therefore, I fully agree with that opinion.
But even without musical expertise, they are very interested in the information I "link" and are pleased that the information on AI computers provides modern "advanced information".
Also, one of my friends who is a music expert said that my website is written from the perspective of a composer, so it is difficult for performers as the same musician to know genres outside their area of expertise.
But on the contrary, it was a "eye-opener" from my music companion! Some people say that, so it was good to be able to confirm that HP was not wasted.
Specifically, even if they are a performer, for example, to give an example of a score, the score of the clef symbol, which is not "familiar" with each of the viola clef , tenor clef , baritone clef, etc. in the notation of the score, It's usually very surprising.
I can't play the viola, but the viola clef is smooth read. Fortunately, I was in charge of "Trombone" in the orchestra, so I think it's because of that fortunate.
The brass band trombone is usually a bass clef, but the orchestral trombone uses the "all clefs" mentioned above. Especially in Tchaikovsky's Symphony trombone part, the second trombone, the "clef" often changes many times during the song.
For example, at the beginning, the score of a song that started with the F clef suddenly changed to alto in a few bars, after a while it changed to tenor, suddenly go to the G clef, and then return to the F clef, ・・・etc. It very often changes.
At first I was "very surprised!" Performance of the the Tchaikovsky's works, and I got used to the C clef because I had such a "good experience".
The most obvious explanation for the C clef is that the C clef "does not move the symbol itself, but the staff itself moves".
( I have explaining firmly on the HP clef page.)
If you recognize it properly, there is no problem, but if you can not change the idea or you are not accustomed to it, it is not so easy.
That~! That~! I'm sorry I was too specialized again. On this page, I didn't mean to say these things but wanted to report that "I started writing sentences that have nothing to do with music on this website."
In other words, I set up a "blog page" and started writing blogs by "category".
This blog page is probably easy to understand even for those who say that the MOME page here on this HP is "too specialized to understand!".
The blog page is not only written with my amateur's "Thoughts", but also of course the content is not specialized and pearly verified. Also, since it is a blog, I will not add English text.
As for the descriptive text, I may be wrong and perhaps Inaccurate information written.
The content is about free text, so if you have any doubts, please verify it yourself and deepen your knowledge.
In that sense, it may not be wasteful to read the blog page as a material for raising general issues.
Anyway, in this column, I'm telling you that I've started a blog.
「DAWシステムと声楽」について
私は上のカラムの「AI演奏VS.実演演奏」で2021年ごろ、人間の声で演奏する声楽について、自信をもって以下のように既述しました。
「このように進化しているAI演奏ではありますが「声楽演奏」のAI演奏において、実現はまだ先のように思えます。」と。
あれから3年後の現在・・・何とAI演奏の一種でもあるDAWシステムによって人声演奏である「声楽や合唱」までもが、自由自在に「実演と見紛う」程の完成度(いや!もはや実演に勝るとも劣らないと言い切れるかもしれません。)で作成・編集ができるようになってきました。
人声だけが可能であった音声学上のあらゆる発音音声の「抑揚、鼻濁音、破擦音、口蓋音、裏声、巻き舌発音、ビブラート、・・ありとあらゆる発声特殊音種まで」のすべてがDAWシステムでコントロールできるようになり、さらにその上にポルタメント、グリッサンドまでもが自由自在にできるようになってきています。
まだ私も実際にDAWシステムで編集しているのを視聴したことがない「声種」が、特殊中の特殊声楽の一種であるモンゴル発祥のホーミー、ホーメイのような「特殊発生声楽」です。しかし、今や恐らく、これも生成することが可能かもしれません。
AI進化のスピードは本当に「驚愕以外の何物でもない。」と言わざるを得ないです。
例によって「音楽は文章や言葉で説明できません」ので、私がとても高く評価している先端ソフトの「Hollywood Fantasy Orchestrator」というソフトを実際にURLを貼り付けて紹介説明しますので、ご視聴していただきたいと思います。このように素晴らしく進化しているのです。
そして何より注目していただきたいのは、そのオーケストラ音源のクリヤー度、臨場感など商業音楽においては、すでに実演はDAWシステムには全く勝ち目がないような気がします。
現在私は、順調に加齢を重ねつつあり、もはやDAWシステムにドップリ浸かって没頭するだけの時間的余裕と能力がなくなってきました。
しかし、個人的には「finaleソフト」を使って自作の作品データのほとんどを「デジタル化」できただけでも、良しとしています。いずれの日にか、誰かの目(耳)に留まり、素晴らしい実演やそのデータをDAWシステムによって第三者が「再編集」してくれるかもしれないという、僥倖を静かに気長に待つのも一興かな・・・とも考えている昨今です。
さて、何度も私のこのホームページのキャパシティーについてフリーヴァージョンなので、「ページ数に制限がある」と表明していますが、実際にこのページが最後のカラムになるかもしれません。
ですので、私が記述で表明した「既述カラムを削除するか、有料ヴァージョンに移行するか」の、二者択一しか方法がなくなってきました。取敢えずはカラムやページは増補できませんので、しばらくはこのまま維持・継続しようと思っています。
続けてご視聴していただける方は、どうぞ「ブログカテゴリー」に移動されて、アクセスいただければこの上ない幸いと思っています。
Regarding “DAW Systems and Vocal Music”
Around 2021, in the column titled “AI Performance vs. Demonstration Performance,” I confidently wrote “While AI performance has evolved in this manner, achieving AI performance for vocal music still seems distant.”
But 2024 real now, three years later, DAW systems (which are also a form of AI performances) have reached a level where they can flawlessly perform human voice-based performances such as vocal music and choruses, indistinguishable from live performances.
A DAW system is capable of all the phonetic pronunciation sounds that only the human voice could produce, such as intonation, nasal consonants, affricates, palatal consonants, falsetto, curled tongue pronunciation, vibrato, and all kinds of special pronunciation types. Engineers are already able to freely create portamento and glissando.
A “Voice type” that I have yet to actually watch edited using a DAW system is “Special vocal music” such as “Homii” and “Homey,” which originated in Mongolia and are a type of special vocal music. But now perhaps it might be possible to generate this also.
I have to say that the speed of AI evolution is nothing short of astonishing.
As usual, “Music cannot be explained in sentences or words,” so I will paste the URL and explain the cutting-edge software “Hollywood Fantasy Orchestrator,” which I highly rate, so please watch it. In this way, it is evolving wonderfully.
Pay particular attention to the clarity and realism of the orchestral sound sources in this DAW software. Even live performances in commercial music may no longer match the capabilities of DAW systems. I had ages steadily, Now I no longer have the time or capacity to fully immerse myself in DAW systems. However, personally, I am satisfied with the fact that I was able to “Digitize” most of my work data using “finale software.”
But maybe one day my work will catch someone's eyes (or ears) and be played beautifully by an actual performer. Or maybe a talented sound designer will use a DAW system to “Re-edit” my data into a great sound source.Quietly and patiently waiting for such happiness is also a pleasant thought these days. Now, regarding the capacity of my website, I’ve repeatedly mentioned that it’s the “Free version,” which has limitations on the number of pages. In reality, this of my HP might become the final column. Therefore, there are only two options: either delete existing columns or transition to a paid version. For now, I’ll maintain and continue it as is, unable to add more columns or pages. If you continue to follow, please feel free to explore the “Blog Categories,” and your access would be greatly appreciated. However, this blog does not have English text.